До конца XI века южная Италия занимала западную границу обширной Византийской империи. Даже после того, как эта область попала под норманнское правление примерно в 1071 году, Италия поддерживала сильную связь с Византией через торговлю, и эта связь была выражена в искусстве того периода. Большие иллюстрированные Библии («гигантские Библии») и свитки «Exultet» — литургические свитки, содержащие тексты для празднования Пасхи, произведенные в регионе Беневенто на юге Италии, — пользовались большой популярностью примерно с 1050 года.
Миниатюрные иллюстрации в Библиях, которые относятся к современной монументальной настенной живописи, произведенной в Риме, сильно повлияли на раннехристианские живописные циклы из римских церквей. После разграбления Константинополя в 1204 году христианскими войсками Четвертого крестового похода драгоценные предметы из Византии попали на итальянскую землю и оказали глубокое влияние на искусство, создаваемое там, особенно ярко окрашенные позолоченные панно, которые распространились в XIII веке.
Одним из таких примеров является «Мадонна с младенцем» Берлингьеро, выдающегося художника того периода, работавшего в тосканском городе Лукка: на этой панели Мадонна торжественно жестикулирует в сторону младенца Христа, изображенного в виде миниатюрного взрослого, который носит одеяние философа и жестикулирует в благословении. Это сочинение византийского типа, известное как «Одигитрия», которое можно перевести как «тот, кто указывает путь», поскольку Мадонна указывает на Христа как на путь к спасению. Звездообразные орнаменты на макушке головы Мадонны и на ее правом плече (третий должен был появиться на ее левом плече, здесь скрытый фигурой Христа) также являются традиционными византийскими мотивами, символизирующими девственность Марии до, во время и после рождения Христа.
В конце XIII — начале XIV века появились три великих мастера, изменивших ход живописи: флорентиец Джотто ди Бондоне (1266/76-1337), римлянин Пьетро Каваллини (ок. 1240-после ок. 1330), и Сиенский Дуччо ди Буонинсенья (активный ок. 1278-1318). Фигуры Джотто объемны, а не линейны, а эмоции, которые они выражают, разнообразны и убедительно человечны, а не стилизованы. Он создал новый вид живописного пространства с почти измеримой глубиной. С появлением Джотто Плоский мир итальянской живописи XIII века превратился в аналог реального мира, по этой причине он считается отцом современной европейской живописи.
Поклонение волхвов
Дуччо, основатель сиенской школы живописи, привнес лирическую выразительность и напряженную духовную тяжесть в формализованную Итало-византийскую традицию. В небольшой набожной панно Мадонны с младенцем Дуччо преодолел разрыв между духовным миром фигур и реальным миром зрителя с помощью иллюзионистического парапета, одного из первых в своем роде в западной живописи. Другими выдающимися художниками, писавшими в этот период, были Таддео Гадди, Мазо Ди Банко, Амброджо и Пьетро Лоренцетти и Симона Мартини. Симона Мартини добавила элегантности и утонченности к скромной форме искусства Джотто. Пьетро Лоренцетти, ученик Дуччо, создал работы, новаторские по своей образной детализации и выразительному натурализму.
Святой Андрей
В начале XIV века в итальянской живописи стали появляться элементы готического стиля, возникшего во Франции XII века: архитектурные мотивы, такие как остроконечная арка, утонченная утонченность деталей, повышенный натурализм и акцент на текучей форме. К середине века всплеск художественной продукции, сконцентрированный в центральной Италии, интегрировал новые идеалы в более ранние способы изображения. Византийский набожный образ Галактотрофуса, или Девы Лактаны, изображающей Мадонну, кормящую Младенца Христа, достигает новой элегантности в великолепно детализированном панно Сиенского мастера Паоло ди Джованни Фея. Бартоло Ди Фреди ссылался на живописные традиции Востока и Запада в «поклонении пастухам», в котором конюшня Рождества Христова помещена в пещеру. Художник использовал эту проецирующую структуру для экспериментов с перспективой и передачей пространственной глубины.
Фреска
Техника фресковой живописи, известная с античности и особенно популярная в эпоху Возрождения и барокко, использовалась для украшения стен и потолков церквей, общественных зданий и частных жилищ.
Голая стена сначала увлажнялась и покрывалась слоем грубой известковой штукатурки, называемой arriccio, на которой рисунок был нарисован или нанесен красноземным пигментом (sinopia). Общая композиция была написана в разделах, известных как giornate — итальянский для «дневной работы». Каждая из этих секций состояла из гладкого гипсового слоя, называемого интонако. Пигменты, разведенные в воде, наносились непосредственно на влажную интонацию; когда штукатурка высыхала, химическая реакция связывала пигмент с ней. Украшения, нанесенные на сухую стену — фреска a secco (secco — итальянское слово, обозначающее сухую), — гораздо менее долговечны, так как краска имеет тенденцию со временем отслаиваться. Фреска уязвима для влаги и может быть повреждена в прохладной, влажной среде; засушливый средиземноморский климат благоприятен для ее сохранения.
Среда фрески позволяла художникам изображать не только геральдику (гербы прославленных семейств или национальную символику (например, Флаг Италии), но и более сложные повествования, экспериментировать с глубиной и пространственными отношениями. Они часто были написаны серией или циклом для одного пространства. Обычно фресковые циклы состояли из сцен из жизни Христа, Девы Марии или святого, которому была посвящена церковь или монастырь. Между 1253 и 1340 годами многие выдающиеся художники того периода, включая Чимабуэ и Джотто, внесли фрески, изображающие эпизоды из жизни святого Франциска (1181-1226) в его базилику в Ассизи. Часовни, посвященные другим святым, являются частью базилики. На одной из них, посвященной святому Мартину Турскому, изображены десять фресок Симоны Мартини, изысканных по своей богатой характеристике, колориту и деталям. Они являются одним из величайших образцов творчества Сиенского мастера и одними из лучших фресок, созданных в Италии XIV века.
Около 1303 года Падуанский аристократ Энрико Скровеньи поручил Джотто, известному как величайший художник своего времени, сделать фреску для часовни Арены в Падуе. В циклах, изображающих сцены из жизни Богородицы и жизни Христа, натурализм Джотто, композиционная ясность и объемное, скульптурное присутствие его фигур сочетаются в сценах небывалой драматургии. Эти фрески широко хвалили за их новаторство Данте, Боккаччо и Петрарка; наряду с циклами фресковых работ Джотто для часовен Барди и Перуцци в Санта-Кроче во Флоренции, замечательных своим амбициозным описанием пространства и масштаба, они являются шедеврами, оказавшими влияние на двухвековую историю художников.
Панельная Покраска
На протяжении всего XIV века основной опорой для портативных картин — от монументальных церковных алтарей до миниатюрных работ, используемых в частных богослужениях, — была деревянная панель. Мастерам помогали ученики и члены мастерских в их длительной и сложной подготовке. Современный технический анализ и рентгенография углубили наше понимание этого процесса, позволив тщательно изучить материалы и методы, используемые художником. Однако основой наших знаний является 600-летний источник: трактат об искусстве живописи под названием «Il Libro dell’Arte», составленный около 1390 года итальянским художником Ченнино Ченнини (ок. 1370-ок. 1440).
Закаленная доска — та, что некоторое время просыхала, потму что перед этим была покрыта несколькими слоями клея, сделанного из шкур животных. В Италии доски, используемые для панно, часто делались из местного тополя, широко распространенной древесины, которая, однако, была мягкой и уязвимой к деформации. Кусок льняного полотна, пропитанный по размеру, часто укладывался поверх передней панели, чтобы скрыть любые поверхностные дефекты. Поверх этого были нанесены слои гессо. Гессо, смесь порошкообразного сульфата кальция (обычно называемого гипсом) и животного клея, служила основой для предварительных чертежей.
Святая Люсия дает милостыню
Святая Люсия и ее мать в храме святой Агаты
Святая Люсия перед Пасхалием
Saint Lucy Resisting Efforts to Move Her
Когда подрисовка была закончена, панель была готова к позолоте. Участки, подлежащие золочению, покрывались слоем боле, красноватой глины, которая обеспечивала клейкую поверхность для хрупкого сусального золота. Золотой лист был сделан путем дробления небольшого количества золота на тонкие листы, которые затем наносились на панель с помощью инструмента, называемого наконечником позолотчика. Позолоченную поверхность натирали инструментом с твердым наконечником, чтобы пригладить и отполировать золотой лист, процесс, известный как полировка.
Дополнительное украшение может быть вырезано или штамповано на поверхности с помощью металлических стержней, называемых пуансонами, с узорами, вырезанными на одном конце. Наконечник пуансона, приставленный к панели и ударяемый с другого конца молотком, вдавливал рисунок в дерево. Штамповка часто использовалась для достижения замысловато детализированных ореолов, окружающих головы святых фигур. Наконец, панель можно было покрасить. Средневековые художники использовали темперные краски, изготовленные путем смешивания молотых пигментов с яичным желтком. Эта среда производит блестящий, чистый оттенок.
Многие картины этого периода имеют рамы, сделанные из деревянных полос, прикрепленных к внешнему краю панели, некоторые примеры которых сохранились до наших дней. Оригинальные рамы иногда могут иметь следы петель, указывающие на то, что работа когда-то была частью диптиха или триптиха, предназначенного для закрытия. Независимые панели часто использовались на частных алтарях в домашней обстановке.
Для больших церковных алтарей необходимо было соединить вместе независимонаписанные панели с тщательно продуманной рамой. Обычно Мадонна с младенцем изображалась на главных панелях в окружении святых и апостолов, узнаваемых по их атрибутам. Полоска меньших панелей — так называемая пределла — в нижней части алтаря изображала дополнительные фигуры или повествовательные эпизоды из жизни Христа, Марии или святых.
Дженнифер Мейер