10 спорных работ, которые изменили историю искусства
На протяжении всей истории художники вызывали споры, пытаясь подорвать доминирующие структуры в обществе и провоцируя людей по-другому взглянуть на жизнь. В конце концов, разве роль художника не в том, чтобы создавать новые перспективы с помощью своих работ? Познакомьтесь с некоторыми из самых смелых провокаторов мира искусства последних нескольких столетий. Представляем на ваш суд 10 спорных работ, которые изменили историю искусства.
Édouard Manet, Le Dejeuner sur l’Herbe, 1863
Знаменитая картина Эдуарда Мане была отвергнута Парижским салоном в 1863 году и вместо этого выставлена в Салоне отказников, где вызвала настоящий скандал. Беззастенчивое присутствие обнаженной женщины в окружении полностью одетых мужчин в одежде того периода шокировало мир искусства и общественность. Даже стиль Мане в этой картине был признан шокирующим, поскольку он изобразил гораздо более жестокие контрасты между светом и тьмой, чем это было принято в тот период. Отказ Мане следовать традиционным методам в Le Dejeuner sur l’Herbe часто рассматривается как отправная точка для современного искусства.
Марсель Дюшан, Фонтан, 1917
Возможно, самое противоречивое произведение искусства 20-го века, Fountain — это квинтэссенция «readymade«, повседневного предмета, который превращается в произведение искусства, потому что художник решает, что это искусство. В 1917 году Марсель Дюшан подарил писсуар недавно созданному Обществу независимых художников. Общество отказалось от Fountain, утверждая, что он не может считаться произведением искусства. «Фонтан» Дюшана вызвал множество важных вопросов, таких как “что делает что-либо произведением искусства?” и “какова роль художественных институтов в оценке и квалификации произведений искусства?” Это вопросы, которые помогли сформировать направление в искусстве с 20-го века и по сей день.
Пабло Пикассо, Герника, 1937
Огромная фреска Пабло Пикассо «Герника» 1937 года, на которой изображена резня в баскской деревне в 1937 году, с тех пор стала символом каждого города, когда-либо подвергавшегося бомбардировкам. Это одно из самых сильных художественных осуждений фашизма, которое на протяжении многих лет было предметом споров из-за своего сильного критического посыла. Пикассо отказался выставлять ее в Испании до тех пор, пока там не будет восстановлена справедливость, а когда она была выставлена в Музее современного искусства в 1967 году, художники подали петицию с требованием убрать ее в знак протеста против войны во Вьетнаме. В 2003 году гобеленовая версия «Герники » была закрыта в Организации Объединенных Наций.
Джексон Поллок, «Голубые столбы, или номер 11», 1952
Джексон Поллок был одним из самых влиятельных абстрактных экспрессионистов и наиболее известен своими большими ‘экшн’-картинами, которые он создавал, капая краской на большие холсты на полу. Разочаровавшись в человечестве после ужасов Второй мировой войны, Поллок начал изображать иррациональность современного состояния человека в своих картинах wild drip. Возможно, его самая известная работа — «Голубые столбы», также известная как Номер 11, 1952. Радикальный стиль живописи Поллока поначалу шокировал людей, но вскоре был усвоен массовой культурой, что стало симптомом для того периода в искусстве. Поллок, однако, по-прежнему критически относился к направлению и восприятию своих работ.
Джексон ПОЛЛОК «Голубые столбы» (Номер 11, 1952) 1952
Энди Уорхол, «Банки с супом Кэмпбелла», 1962
Энди Уорхол, ведущая фигура в движении поп-арта, стал одним из самых влиятельных и противоречивых художников своего времени. Его работы исследовали грань между художественным самовыражением, культурой знаменитостей, массовым производством и культурой средств массовой информации. Его всемирно известная картина 1962 года по шелкографии «Банки из-под супа Кэмпбелла» вызвала ажиотаж на выставке в Лос-Анджелесе – некоторые были заинтригованы, в то время как многие отвергли ее и отнеслись с презрением. Однажды Уорхол, размышляя о своей карьере, сказал: “Мне следовало просто создать «Супы Кэмпбелла» и продолжать их создавать … потому что все равно каждый рисует только одну картину”.
Андрес Серрано, «Ссущий Христос», 1987
«Ссущий Христос» — фотография 1987 года Андреса Серрано, на которой изображено маленькое пластиковое распятие, погруженное в стеклянный резервуар с мочой Серрано. Работа вызвала огромный скандал и возмущение сенаторов, потому что Серрано получал поддержку, финансируемую налогоплательщиками из Национального фонда искусств, и потому что многие сочли эту работу богохульной. В этот период Серрано получал угрозы убийством и письма ненависти. В 2011 году репродукция картины подверглась вандализму во время выставки в Авиньоне, Франция.
Девушки-партизанки, обязательно ли женщинам быть обнаженными, чтобы попасть в Метрополитен Музей?, 1989
Guerilla Girls — группа художников-активисток-феминисток, которые используют факты, юмор и возмутительные визуальные эффекты, чтобы разоблачить гендерные и этнические предубеждения и коррупцию в политике, искусстве, кино и поп-культуре в своих работах. В 1989 году они разработали этот рекламный щит для Общественного фонда искусств (PAF) в Нью-Йорке, целью которого было раскритиковать музейные учреждения за недопредставленность женщин-художников и объективацию женщин. PAF отклонила это произведение, сочтя его “слишком провокационным”. Вместо этого девушки-партизанки арендовали рекламные места в автобусах Нью-Йорка и сами разместили рекламу.
Ай Вэйвэй, роняющий урну династии Хань, 1995
Ай Вэйвэй — один из величайших провокаторов нашего времени, чьи работы резко критикуют китайское правительство и борются за свободу выражения мнений. Падение урны династии Хань изображает художника, разбивающего церемониальную урну 200-летней давности, имеющую значительную символическую и культурную ценность. Многие назвали это актом осквернения, на что Вэйвэй ответил: “Генерал Мао говорил нам, что мы можем построить новый мир, только если разрушим старый”.
Трейси Эмин, «Моя кровать», 1998
«Моя кровать » — это произведение искусства, которое мгновенно закрепило за Трейси Эмин статус одной из самых противоречивых и знаменитых художниц Великобритании. Когда «Моя кровать» впервые была выставлена в Tate Britain в 1999 году, реакция была крайне неоднозначной: одни люди испытывали крайнее отвращение и глубокую критику, а другие были в полном восторге. Нравится вам это или нет, но эта исповедальная работа сумела затронуть табу о самых интимных местах людей, неудачах, депрессии, женском несовершенстве и жидкостях организма.
Моя кровать. Трейси Эмин в Tate Britain
Дэмиен Херст, «Ради всего святого», 2007
Дэмиен Херст — одна из самых противоречивых фигур на арт-сцене сегодня. Его работы с мертвыми животными, законсервированными в формальдегиде, продаются по цене до 50.000 фунтов стерлингов, что делает его одним из самых высокооплачиваемых художников своего времени, а также одним из самых подвергаемых резкой критике. For the Love of God — платиновый слепок человеческого черепа, который Херст инкрустировал 8601 бриллиантом. Это произведение искусства было продано за самую высокую цену, когда-либо заплаченную за работу живущего художника, в 50 миллионов фунтов стерлингов, в то время как его производство обошлось в 14 миллионов фунтов стерлингов. Цель работы — поставить под сомнение мораль искусства и денег. То, как Херст создал бренд для себя как художника, вызвало у многих отвращение и вдохновило, но в любом случае, он, несомненно, оставил заметный след в мире искусства.
