Несмотря на ранние усилия таких пионеров, как Эль Греко (Доменикос Теотокопулос) (1541-1614), Адам Эльшеймер (1578-1610) и Клод Лоррен (1604-82), стиль, который мы знаем как романтизм, не набирал обороты до конца 18 века, когда героическому элементу в неоклассицизме была отведена центральная роль в живописи. Этот героический элемент в сочетании с революционным идеализмом породил эмоциональный романтический стиль, возникший после Французской революции как реакция на сдержанное академическое искусство художественного истеблишмента.
Принципы романтизма включали: возвращение к природе, примером чего является акцент на спонтанной пленэрной живописи, веру в доброту человечества, продвижение справедливости для всех и твердую веру в чувства и эмоции, а не в разум и интеллект. Художники-романтики и скульпторы, как правило, выражали эмоциональный личный отклик на жизнь, в отличие от сдержанности и универсальных ценностей, пропагандируемых неоклассическим искусством. Архитекторы 19 века тоже стремились выразить чувство романтизма в своих проектах зданий: см., например, викторианскую архитектуру (1840-1900).
Среди величайших художников-романтиков были Генри Фюзели (1741-1825), Франсиско Гойя (1746-1828), Каспар Давид Фридрих (1774-1840), Дж.М.У. Тернер (1775-1851), Джон Констебль (1776-1837), Теодор Жерико (1791-1824) и Эжен Делакруа (1798-63). Романтическое искусство не вытеснило неоклассический стиль, а скорее служило противовесом строгости и жесткости последнего. Хотя романтизм пришел в упадок примерно в 1830 году, его влияние продолжалось еще долго после этого. ПРИМЕЧАНИЕ: Чтобы увидеть роль, которую романтическая живопись сыграла в эволюции искусства 19 века.
Происхождение
После Французской революции 1789 года в течение одного поколения произошли значительные социальные изменения. Европу сотрясали политические кризисы, революции и войны. Когда лидеры встретились на Венском конгрессе (1815), чтобы реорганизовать европейские дела после наполеоновских войн, стало ясно, что надежды народов на «свободу, равенство и братство» не оправдались. Однако в течение этих беспокойных 25 лет в умах людей утвердились новые идеи и взгляды.
Уважение к личности, ответственному человеческому существу, которое уже было ключевым элементом неоклассической живописи, породило новый, но связанный с этим феномен — эмоциональную интуицию. Таким образом, холодный, рациональный неоклассицизм теперь столкнулся с эмоциями и порожденным ими индивидуальным воображением. Вместо того, чтобы восхвалять стоицизм и интеллектуальную дисциплину личности (неоклассицизм), художники теперь также начали восхвалять эмоциональную интуицию и восприятие личности (романтизм). Таким образом, в начале 19 века начали появляться разнообразные стили, каждый из которых формировался с учетом национальных особенностей, и все они подпадали под рубрику «романтизм».
Движение началось в Германии, где оно было мотивировано в основном чувством усталости от мира («Weltschmerz»), чувством изоляции и тоской по природе. Позже романтические тенденции проявились также в английской и французской живописи.
Немецкий романтизм (1800-1850)
В Германии молодое поколение художников отреагировало на меняющиеся времена процессом самоанализа: они погрузились в мир эмоций, вдохновленные сентиментальной тоской по прошлым временам, таким как средневековая эпоха, которая теперь воспринималась как время, когда люди жили в гармонии с самими собой и миром. В этом контексте картина «Готический собор у воды» Карла Фридриха Шинкеля была столь же важна, как и работы «назарян» — Фридриха Овербека, Юлиуса Шнорра фон Карольсфельда и Франца Пфорра, которые взяли пример с живописных традиций итальянского раннего Возрождения и немецкого искусства эпохи Альбрехта Дюрера. В своих воспоминаниях о прошлом художники-романтики были очень близки к неоклассицизму, за исключением того, что их историзм критиковал рационалистическое отношение неоклассицизма. Проще говоря, художники-неоклассики обращались к прошлому в поддержку своего предпочтения ответственных, рационально мыслящих людей, в то время как романтики обращались к прошлому, чтобы оправдать свою нерациональную эмоциональную интуицию.
Романтическое движение пропагандировало «творческую интуицию и воображение» как основу всего искусства. Таким образом, произведение искусства стало выражением «голоса изнутри», как выразился ведущий художник-романтик Каспар Давид Фридрих (1774-1840). Но эта новая субъективность (в отличие от современной эпохи) не повлекла за собой пренебрежения изучением природы или живописным мастерством. Напротив: художники-романтики сохранили академические традиции своего искусства, действительно, их живописные качества все еще представляют собой вершину западного искусства.
Предпочтительным жанром среди романтиков была пейзажная живопись. Природа рассматривалась как зеркало души, в то время как в политически ограниченной Германии она также считалась символом свободы и безграничности. Таким образом, иконография романтического искусства включает одинокие фигуры, расположенные в сельской местности, с тоской смотрящие вдаль, а также мотивы тщеславия, такие как мертвые деревья и заросшие руины, символизирующие быстротечность и конечность жизни. Подобные мотивы живописи vanitas встречались ранее в искусстве барокко: действительно, художники-романтики заимствовали живописную трактовку света с его теневыми эффектами света и тени непосредственно у мастеров барокко. В романтизме художник бросает свой субъективный взгляд на объективный мир и показывает нам картину, отфильтрованную его чувственностью.
К тому времени, когда Карлсбадские резолюции (1819) привели в движение европейскую реставрацию и началось преследование демагогов, аппетит к немецкому романтизму уже угас, а бунт сменился смирением и разочарованием. Освободительные устремления немецкого романтизма были отброшены в пользу устремлений эпохи Реставрации. Перед лицом такого политического консерватизма художник-гражданин удалился в свою личную идиллию, положив начало периоду Бидермайера (1815-1848) позднего романтизма, примером которого являются работы Морица фон Швинда (1804-71), Адриана Людвига Рихтера (1803-1884) и Карла Шпицвега (1805-85). Шпицвег был, пожалуй, выдающимся представителем стиля Бидермайера: повествовательные, анекдотические семейные сцены были одними из его любимых живописных тем, хотя его жизнерадостные и мирные картины имеют более глубокий смысл. За своей невинной красотой он высмеивает материализм немецкой буржуазии.
Испанский романтизм (1810-30)
Франсиско де Гойя (1746-1828) был бесспорным лидером движения романтического искусства в Испании, демонстрируя природную склонность к произведениям иррациональности, воображения, фантазии и ужаса. К 1789 году он прочно утвердился в качестве официального художника при испанском королевском дворе. К сожалению, около 1793 года он заболел какой-то серьезной болезнью, которая сделала его глухим и заставила замкнуться в себе. Во время своего выздоровления (1793-1794) он выполнил набор из 14 небольших картин на олове, известных как «Фантазия и изобретение», которые знаменуют полную смену стиля, изображая драматический мир фантазии и кошмара. В 1799 году он опубликовал набор из 80 гравюр под названием «Лос Капричос», комментирующих различные формы человеческого поведения в манере Уильяма Хогарта.
В 1812-15 годах, после Наполеоновской войны, он завершил серию гравюр акватинты под названием «Бедствия войны», изображающих сцены с поля боя в тревожной и жуткой манере. Гравюры оставались неопубликованными до 1863 года. В 1814 году, в ознаменование восстания испанцев против французских войск на площади Пуэрта-дель-Соль в Мадриде и расстрела безоружных испанцев, подозреваемых в соучастии, Гойя создал один из своих величайших шедевров — «Третье мая 1808 года» (1814, Прадо, Мадрид). Еще один шедевр — Колосс (1808-12, Прадо, Мадрид). После 1815 года Гойя становился все более замкнутым. Его серия из 14 картин, известная как «Черные картины» (1820-23), в том числе «Сатурн, пожирающий своего сына» (1821, Прадо, Мадрид), предлагает необыкновенное представление о мире его личной фантазии и воображения.
Французский романтизм (1815-50)
Во Франции, как и в большей части Европы, Наполеоновские войны закончились изгнанием Наполеона и реакционной волной реставрационной политики. Французская республика вновь стала монархией. С точки зрения изобразительного искусства, все это привело к огромному росту романтизма, до сих пор сдерживаемого господством неоклассиков, таких как политический художник Жак Луи Давид (1748-1825) и другие правящие члены Французской академии, которые царствовали безраздельно. Более широкие по кругозору, чем их немецкие коллеги, французские художники-романтики не ограничивались пейзажем и случайной жанровой живописью, но также исследовали портретное искусство и историческую живопись.
Еще одним направлением романтизма 19 века, исследованным французскими художниками, была ориенталистская живопись, типичная для жанровых сцен в Северной Африке. Среди лучших представителей были академик Жан-Леон Жером (1824-1904), а также более независимый Эжен Делакруа.
Первым крупным художником-романтиком во Франции был лучший ученик Жака-Луи Давида — Антуан-Жан Гро (1771-1835). Летописец кампаний Наполеона и опытный портретист, Гро был связан с академическим стилем живописи, хотя он также оказал значительное влияние как на Жерико, так и на Делакруа.
Теодор Жерико (1791-1824) был важным пионером движения романтического искусства во Франции. Его шедевр «Плот Медузы» (1819, Лувр) стал скандалом Парижского салона 1820 года. Ни один художник до тех пор не изображал ужас так наглядно. Воздействие картины было тем более эффективным, что она была основана на реальной катастрофе. Мощно организованная композиция Жерико решительно подорвала расчетливую, интеллектуальную живопись академического неоклассицизма. Трехмерность фигур в сочетании с тщательной компоновкой плота и его символической безнадежностью. Это символическое изображение кораблекрушения (народных политических устремлений) придает картине ту же драматичность, которая отмечала работы старых мастеров барокко, таких как Рубенс и Веласкес. Жерико также использовал романтический подход к своим знаменитым портретам заключенных приюта.
Эжен Делакруа (1798-1863), который позже стал лидером французского романтизма, пошел по стопам Жерико после ранней кончины последнего, рисуя картины, чьи яркие цвета и стремительный мазок были призваны стимулировать эмоции и будоражить душу. Делая это, он намеренно разжег многовековой спор о первенстве рисунка или цветовой композиции. Делакруа противопоставил то, что он считал «неоклассической тупостью», примером которой, по его мнению, был Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867) и консервативная Французская академия, динамичному движению и цветовой композиции, мало чем отличающейся от Тициана или Рубенса. Его шедевр в романтическом стиле — «Свобода, ведущая народ» (1830, Лувр), написанный по случаю революции 1830 года.
Делакруа также был страстным исследователем цвета в живописи, в частности взаимодействия цвета и света. Он обнаружил, что «плоть приобретает свой истинный цвет только на открытом воздухе, и особенно на солнце. Если человек прижимает голову к окну, это совсем не то, что внутри комнаты; в этом и заключается глупость студийных этюдов, которые стремятся воспроизвести неправильный цвет». Одним из важных результатов его исследований стало открытие того, что нюансы цвета могут быть получены путем смешивания дополнительных основных цветов — факт, который с большим интересом восприняли импрессионисты. Как бы то ни было, сам Делакруа находился под сильным влиянием Джона Констебла, великого английского художника-пейзажиста, который также оказал огромное влияние на художников «барбизонской школы» близ Фонтенбло, посвятивших себя пленэрной живописи в 1830-х годах.
Среди других французских художников, работавших в традициях романтизма, — Пьер-Поль Прудон (1758-1823), Анн-Луи Жироде-Триозон (1767-1824), Франсуа Жерар (1770-1837), Жорж Мишель (1763-1843), Антуан-Жан Гро (1771-1835) и Жан-Батист-Камиль Коро (1796-1875). Необычным примером является художник-классик истории Пол Деларош (1797-1856), который специализировался на мелодраматических исторических сценах, типичных для английской королевской семьи, таких как Казнь леди Джейн Грей (1833, Национальная галерея, Лондон). Чрезвычайно популярный при жизни, он сколотил состояние на продаже гравюр со своими картинами.
В Америке романтическую традицию исторической живописи Делакруа поддерживал немецко-американский художник Эмануэль Готлиб Лейтце (1816-68), чей шедевр «Вашингтон, пересекающий Делавэр» (1851, Музей искусств Метрополитен, Нью-Йорк).
Романтизм в Англии (ок. 1820-1850)
Джон Констебль (1776-1837) принадлежал к английской традиции романтизма, которая отвергала композиции, отмеченные повышенной идеализацией природы, такие как работы Каспара Дэвида Фридриха, в пользу натурализма голландского искусства барокко 17 века, а также Клода Лоррена (1604-82). Эта традиция стремилась к балансу между (с одной стороны) глубокой чувствительностью к природе и (с другой) достижениями в науке живописи и рисунка. Примером последних были систематические исследования неба и облаков 1820-х годов, которые характеризовали работу Констебля. Точное наблюдение за природой заставило его пренебречь общепринятой важностью линий и создавать свои работы из свободных цветовых пятен.
Эта эмансипация цвета особенно характерна для живописи Уильяма Тернера (1775-1851). Для Тернера, возможно, величайшего из всех английских художников романтизма, наблюдение за природой — всего лишь один из элементов реализации его собственных живописных амбиций. Настроение его картин создается не столько тем, что он рисовал, сколько тем, как он рисовал, особенно тем, как он использовал цвет и кисть. Многие из его полотен написаны быстрыми штрихами. Густой импасто чередуется с нежной живописью алла прима, тональной живописью с сильными контрастами света и тьмы. Часто требуется некоторое время, чтобы изображенный объект вышел из этого вихревого впечатления цвета и материала. Так, например, в своей картине «Снежная буря: Пароход у устья гавани» (1842, Тейт, Лондон) Тернер не пытался изобразить движущийся снег и хлещущий ветер, а скорее перевел их на язык живописи.
В этом Тернер является важным предшественником современной абстрактной живописи. Более того, его искусство оказало огромное влияние на импрессионистов, которые, в отличие от художников-романтиков, были реалистами — их интересовали не видения света, усиливающие выразительность, а реальные световые эффекты в природе. Это движение к реализму появилось около 1850 года. В этот момент между эмоциями и реальностью открылась расширяющаяся пропасть. Романтики, в том числе такие группы, как прерафаэлиты, сосредоточились на эмоциях, фантазии и художественно созданных мирах — стиле, очень созвучном эпохе викторианского искусства (1840-1900) — прекрасным примером являются очень популярные сентиментальные портреты собак сэра Эдвина Ландсира (1802-73). Для сравнения, реалисты придерживались более натуралистической идиомы, охватывающей такие разнообразные стили, как французский реализм (с социально ориентированными темами) и импрессионизм.
Влияние романтизма
Романтический стиль живописи стимулировал появление многочисленных школ, таких как: Барбизонская школа пленэрных пейзажей, Норвичская школа пейзажистов; назаряне, группа католических немецких и австрийских художников; символизм (напр. Арнольд Боклин, 1827-1901) и движение эстетизма.
Наиболее влиятельными представителями английского фигуративного романтизма викторианской эпохи были члены братства прерафаэлитов, соучредителями которого были Уильям Холман Хант (1827-1910) и Данте Габриэль Россетти (1828-82), прославившийся «Благовещением» и другими работами. Среди других художников, связанных с движением, были: Джон Эверетт Милле (1829-96), наиболее известный своей романтической картиной «Офелия», Эдвард Берн-Джонс (1833-1898), выдающийся художник, дизайнер витражей и гобеленов для William Morris & Co, и Джон Уильям Уотерхаус (1849-1917), создавший знаменитую картину «Леди Шалотт».
Другой важной группой художников-романтиков была Школа пейзажной живописи реки Гудзон, действовавшая в период 1825-1875 годов. Начатый Томасом Даути, чьи мирные композиции оказали большое влияние на более поздних художников школы, среди других участников был Томас Коул (драматические и яркие пейзажи). Ашер Б. Дюран, Фредерик Эдвин Черч, Дж. Ф. Кенсетт, Ф.Б. Морс, Генри Инман и Джаспер Кропси. Подгруппа художников реки Гудзон представила стиль люминизма, активный в 1850-75 годах. Люминистские пейзажи, примером которых являются пейзажи Фредерика И Черча, Альберта Бирштадта и художника границы Миссури Джорджа Калеба Бингхэма (1811-79), характеризовались интенсивными, часто драматическими световыми эффектами, стиль, видимый также в поразительно красивых работах Уистлера, таких как Сумеречный в телесном цвете и зеленом, Вальпараисо (1866) и Ноктюрн: Синий и серебристый — Челси (1871).
Неоромантизм
В Париже в начале 1920-х годов появилась группа художников-фигуралистов, чьи задумчивые картины быстро стали называться неоромантическими. Среди них было трио русского происхождения в составе Евгения Бермана и его брата Леонида, а также Павла Челичева. Однако, по крайней мере, в британском изобразительном искусстве термин неоромантический обозначает творческий квазиабстрактный стиль пейзажа, созданный Полом Нэшем (1889-1946) и Грэмом Сазерлендом (1903-80) и другими в конце 1930-х и 1940-х годах. Частично вдохновленные призрачными пейзажами Уильяма Блейка и Сэмюэля Палмера, неоромантические картины часто включали фигуры, обычно были мрачными по настроению, но иногда демонстрировали поразительную интенсивность. Среди других важных неоромантиков были Майкл Айртон, Джон Крэкстон, Айвон Хитченс, Джон Минтон, Джон Пайпер, Кит Воган.