«Постмодернизм» — это не движение, это общее отношение. Не существует согласованного перечня характеристик, определяющих «постмодернистское искусство»
Что такое постмодернистское искусство?
Термин «постмодернистское искусство» относится к широкой категории современного искусства, созданного примерно с 1970 года. Отличительной чертой «постмодернистского искусства» является его неприятие эстетики, на которой основывался его предшественник — «современное искусство» или «модертистское искусство» (1870-1970). Одной из этих отвергнутых ценностей является идея о том, что «искусство» — это нечто «особенное», которое должно быть «возвышено» над популярным вкусом. Совпадая с множеством новых технологических разработок, постмодернизм привел к почти пяти десятилетиям художественных экспериментов с новыми медиа и новыми формами искусства, включая «Концептуальное искусство», различные виды «Исполнительского искусства» и «Инсталляционного искусства», а также компьютерные движения, такие как Деконструктивизм и Проекционное искусство. Используя эти новые формы, художники-постмодернисты расширили определение искусства до такой степени, что почти «все идет».
К сожалению, большинство статей о постмодернизме полны сложных слов, таких как «современность» (не то же самое, что модернизм) и «постмодернизм» (отличается от постмодернизма), «метамодернизм» (от постмодернизма, но не часть его) и «Пост-постмодернизм». Поэтому вместо того, чтобы использовать жаргон, позвольте мне привести простой пример дресс-кода, который поможет вам понять «постмодернистское искусство» и то, чем оно отличается от «современного искусства» и его еще более раннего предшественника «академического искусства».
Первым крупным стилем искусства после эпохи Возрождения было академическое искусство, классическое искусство, которое преподавали профессора в Академиях. Академическое искусство — это художественный эквивалент традиционного «костюма и галстука». Далее, примерно в 1870 году, идет «современное искусство». Это художественный эквивалент «рубашки и брюк» или «куртки и брюк». Затем, примерно в 1970 году, появляется «постмодернистское искусство», которое является художественным эквивалентом «джинсов и футболки». Точно так же, как дресс-коды стали менее формальными и более «все идет», так и сегодняшние художники меньше впечатлены старыми идеями о том, каким должно быть искусство, и больше сосредоточены на создании чего-то (чего угодно), что привлекает внимание.
Но неформальная одежда, такая как джинсы и футболки, стала популярной только потому, что само общество стало менее формальным. Точно так же, как мы увидим, «постмодернистское искусство» является частью более широкого потока технологических, политических и социальных изменений на Западе, которые привнесли много новых взглядов и новых типов поведения. Полное влияние Интернета, например, на поиск и распространение художественных образов, а также на создание прикладного искусства и дизайна, еще предстоит ощутить. Но поскольку она уже произвела революцию в музыкальной индустрии, ее влияние на мир искусства вряд ли затянется надолго.
Определение постмодернистского искусства
Если вам действительно нужно определение постмодернистского искусства в одном предложении, вот оно:
Стиль искусства после 1960-х годов, который отверг традиционные ценности и политически консервативные предположения своих предшественников в пользу более широкой, более развлекательной концепции искусства, использующей новые художественные формы, обогащенные видео и компьютерными технологиями.
Чем постмодернизм отличается от современного искусства
В чем разница между постмодернистским искусством и современным искусством? На практике эти два термина более или менее взаимозаменяемы. Однако, технически говоря, «постмодернистское искусство» означает «после модерна» и относится к фиксированному периоду (скажем, 50 лет), начинающемуся примерно с 1970 года, тогда как «современное искусство» относится к движущемуся 50-летнему периоду непосредственно перед настоящим. На данный момент эти два периода совпадают. Но в 2050 году, например, «искусство постмодерна» (1970-2020) сменится другой эпохой, в то время как «современное искусство» теперь будет охватывать период 2000-2050 годов. Так что эти двое будут расходиться.
Чем постмодернизм отличается от позднего модернистского искусства
В изобразительном искусстве термин «поздний модернизм» относится к движениям или тенденциям, которые отвергают некоторые аспекты «современного искусства», но в остальном остаются в рамках модернистской традиции. Такие стили, как абстрактный экспрессионизм (1948-65), практиковались рядом радикальных современных художников, в том числе Джексоном Поллоком, изобретателем универсальной живописи действия, и Виллемом Де Кунингом, оба из которых отвергли многие формальные условности масляной живописи. И все же ни Поллок, ни де Кунинг не создали бы ничего подобного Стираному рисунку де Кунинга Раушенберга (1953, Музей современного искусства Сан-Франциско), поскольку оба оставались убежденными сторонниками модернистских концепций подлинности и смысла. Аналогичным образом, последователи постмодернистских движений, таких как современный реализм (1970-е годы и далее) и неоэкспрессионизм (1980-е годы и далее), также включали многочисленных художников, которые работали в модернистской, а не постмодернистской манере. С точки зрения дресс-кода, поздний модернизм является художественным эквивалентом «рубашки и брюк», но в ярко-желтом цвете.
Фон
«Современное искусство» обычно ассоциируется с веком 1870-1970-х годов — примерно от импрессионизма до поп-арта. Несмотря на несколько глобальных катастроф — Первую мировую войну (1914-18), Пандемию гриппа (1918-19), Вторую мировую войну (1939-1945), которые подорвали многие моральные устои той эпохи, современные художники в целом сохранили веру в фундаментальные научные законы разума и рационального мышления. Вообще говоря, как и большинство жителей Запада того периода, они верили, что жизнь имеет смысл; что научный прогресс автоматически был хорошим; что христианский Запад был выше остального мира; что мужчины были выше женщин. Модернисты также верили в значение, актуальность и развитие искусства, особенно изобразительного искусства и архитектуры. Следуя по стопам Леонардо и Микеланджело, они верили в «высокое искусство» — искусство, которое возвышает и вдохновляет образованного зрителя, — а не в «низкое искусство», которое просто развлекает или развлекает массы. Они придерживались дальновидного подхода, рассматривая искусство как нечто, что должно постоянно развиваться, возглавляемое ведущей группой художников-авангардистов.
Вторая мировая война и еврейский холокост перевернули все с ног на голову. Париж внезапно сменился Нью-Йорком как столицей мирового искусства. После Освенцима все изобразительное искусство — за исключением искусства Холокоста — внезапно оказалось неуместным, поэтому современные художники вместо этого обратились к абстрактному искусству (хотя и наполненному эмоциями, символизмом или анимацией), чтобы выразить себя. Удивительно, но в 1950-х годах Нью-Йоркская школа, в которой представлены картины Джексона Поллока, а также более спокойная цветовая живопись Марка Ротко, возглавила временное возрождение искусства по обе стороны Атлантики. Этим художникам-авангардистам удалось переопределить рамки абстрактных картин, но они остались в рамках модернизма. Они верили в создание подлинных, законченных произведений искусства с важным содержанием.
Но «модернистская» эпоха неумолимо приближалась к концу. Расширяющиеся разоблачения Холокоста, испытания атомных бомб, Кубинский ракетный кризис (1962 год) и война во Вьетнаме (с 1964 года) привели к тому, что люди все больше и больше разочаровывались в жизни (и искусстве). Уже в середине 50-х годов Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг создали первые постмодернистские работы в стиле нео-Дада и поп-музыки. Вскоре мейнстрим поп-арта возвестит о наступлении собственно постмодернизма, поскольку американские телевизионные сети сосредоточились на наступлении Тет-а-тет 1968 года и хаотичном Демократическом съезде в Чикаго.
ПРИМЕЧАНИЕ: В архитектуре 20 века ситуация была несколько иной. На современный дизайн здания повлияло желание создать совершенно новый стиль для «современного человека». Архитекторы-модернисты хотели устранить все исторические отсылки и создать что-то совершенно новое. (Так что никаких греческих колонн, арок в готическом стиле или любых других напоминаний о «прошлых» стилях.) Это привело к международному стилю архитектуры (1920-70), минималистской идиоме скучной регулярности, приправленной поистине ужасным брутализмом (бетонные многоквартирные дома с крошечными окнами). К счастью, примерно с 1970 года архитекторы-постмодернисты начали заново гуманизировать архитектуру 20 века, проектируя сооружения с интересными особенностями, заимствованными из популярной культуры и более традиционных стилей.
Характеристики постмодернизма
«Постмодернизм» — это не движение, это общее отношение. Таким образом, не существует согласованного перечня характеристик, определяющих «постмодернистское искусство». Но мы должны с чего-то начать, поэтому вот несколько выбранных указателей.
Общая идеология
Постмодернизм отражает широко распространенное разочарование в жизни, а также способность существующих систем ценностей и/или технологий осуществлять благотворные изменения. В результате авторитет, опыт, знания и выдающиеся достижения были дискредитированы. Художники теперь гораздо более настороженно относятся к «большим идеям» (например, весь «прогресс» хорош). Самое главное, «модернистское искусство» рассматривалось не только как элитарное, но и как белое, в котором доминируют мужчины и не заинтересованы меньшинства. Вот почему постмодернизм защищает искусство художников Третьего мира, феминисток и меньшинств. Однако критики говорят, что, несмотря на предполагаемый «отказ» от больших идей, у постмодернистского движения, похоже, есть много собственных больших идей. Примеры включают: «все виды искусства одинаково важны»; «искусство может быть сделано из чего угодно»; «демократизация искусства — это хорошо» (как насчет демократизации хирургии головного мозга?).
Перефразируя Энди Уорхола, «любой может стать знаменитым в течение 15 минут». Эта идея, как никакая другая, подводит итог эпохе постмодернизма. Столкнувшись с новым бессмысленным миром, постмодернистский ответ был:
Ладно, давай поиграем с этой ерундой. Мы признаем, что жизнь и искусство больше не имеют никакого очевидного внутреннего смысла, но что с того? Давайте поэкспериментируем, сделаем искусство более интересным и посмотрим, к чему это приведет. Кто знает, может быть, мы сможем прославиться на 15 минут!
Художественное образование
Постмодернизм изменил образовательные приоритеты во многих художественных колледжах. В 1970-е годы искусство живописи (и в меньшей степени скульптуры) считалось изношенным. Кроме того, идея работать в течение четырех лет, чтобы овладеть необходимыми навыками этих традиционных изобразительных искусств, считалась регрессивной. Считалось, что искусство должно быть освобождено от элиты и открыто для публики, поэтому художественные школы начали выпускать выпускников нового типа — тех, кто знаком с мгновенными формами в стиле постмодернизма, а также с основными технологиями производства. В двух словах, индивидуальное «творчество» считалось более важным, чем накопление навыков ремесленника.
Использование технологий
Эпоха «постмодернистского искусства» совпала с появлением нескольких новых технологий, основанных на изображениях (например, телевидение, видео, трафаретная печать, компьютеры, Интернет), и они принесли огромную пользу. Новый диапазон видео- и фотографических изображений снизил важность навыков рисования, и, манипулируя новыми технологиями, художники (особенно те, кто занимается новыми медиа, такими как инсталляция, видео и искусство на основе объективов) смогли сократить традиционные процессы, связанные с «созданием искусства», но все же создать что-то новое. Это иллюстрируется документальной фотографией Дианы Арбус, посвященной представителям меньшинств в Нью-Йорке, и видеоартом корейско-американского Нам Джун Пайка (1932-2006).
Постмодернистский акцент на популярной/низкой культуре
Термин «высокая культура» часто используется искусствоведами, когда они пытаются отличить «высокую культуру» живописи и скульптуры (и других изобразительных искусств) от «низкой» популярной культуры журналов, телевидения, криминального чтива и других товаров массового производства. Модернисты вместе со своими влиятельными сторонниками, такими как Клемент Гринберг (1909-94), считали, что низкая культура уступает высокой культуре. Напротив, постмодернисты, которые выступают за более «демократическую» идею искусства, считают «высокую культуру» более элитарной. Таким образом, поп-арт — первое постмодернистское движение — сделал искусство из обычных потребительских товаров (гамбургеры, банки супа, пакеты с мыльным порошком, комиксы), которые были мгновенно узнаваемы публикой. Поп-артисты и другие пошли еще дальше в своих попытках демократизировать искусство, печатая свое «искусство» на кружках, бумажных пакетах и футболках: метод, который, кстати, иллюстрирует стремление постмодернистов подорвать оригинальность и подлинность искусства.
Смешение жанров и стилей
Со времен Нео-Дада постмодернистам нравилось смешивать вещи — или вводить новые элементы в традиционные формы — для создания новых комбинаций и стилизаций. Фернандо Ботеро создает картины в примитивном стиле с изображением тучных фигур; Георг Базелиц рисует перевернутые фигуры. Герхард Рихтер объединил операторское искусство и живопись в своих «фото-картинах» 1970-х годов, в то время как Джефф Кунс объединил потребительские образы (формы воздушных шаров) с высокопрофессиональными скульптурными техниками для создания своих поп-скульптур из воздушных шаров (1994-2000). Тем временем Андреас Гурски сочетает фотографию с компьютерными изображениями для создания таких работ, как Rhein II (1999, MOMA, Нью-Йорк), в то время как Джефф Уолл использует цифровой фотомонтаж в своих постмодернистских живописных творениях.
Постмодернистская многозначность
Художники постмодерна отказались от идеи, что произведение искусства имеет только одно присущее ему значение. Вместо этого они считают, что зритель является не менее важным судьей смысла. Сюрреалистическая фотография Синди Шерман, например, подчеркивает идею о том, что произведение искусства можно интерпретировать по-разному. Действительно, некоторые художники, такие как художник-перформанс Марина Абрамович (р.1946), даже разрешают зрителям участвовать в их «произведениях искусства» или даже требуют вмешательства зрителей, чтобы завершить свою работу.
Удовлетворение потребностей потребителей
Рост потребительства и мгновенного удовлетворения за последние несколько десятилетий 20-го века также оказал огромное влияние на изобразительное искусство. Потребители теперь хотят новизны. Они также хотят развлечений и зрелищ. В ответ многие художники-постмодернисты, кураторы и другие профессионалы воспользовались возможностью превратить искусство в «развлекательный продукт». Например, внедрение новых видов искусства, таких как перформансы, хеппенинги и инсталляции, наряду с новыми предметами, включая такие вещи, как мертвые акулы, умирающие мухи, огромные ледяные скульптуры, толпы обнаженных тел, здания, которые, кажется, находятся в движении, коллекция из 35 000 терракотовых фигур, острова, завернутые в розовую полипропиленовую ткань, раскрашенные тела, жуткие проекционные изображения на общественных зданиях и т. Д., Предоставили зрителям целый ряд новых (иногда шокирующих) впечатлений. Являются ли эти новые так называемые формы искусства на самом деле «искусством», остается горячо обсуждаемым вопросом. Постмодернистские концептуалисты говорят «Да», традиционалисты говорят «Нет».
Сосредоточьтесь на зрелище
В отсутствие какого-либо реального смысла жизни — особенно когда нас день и ночь бомбардирует радио- и телереклама, в то же время вынуждая слушать политиков, объясняющих, что два плюс два равно трем, — постмодернисты предпочли сосредоточиться на стиле и зрелище, часто используя рекламные материалы и методы для максимального воздействия. Примером такого подхода являются методы коммерческой печати, изображения в стиле рекламных щитов и основные цвета поп-художников, таких как Рой Лихтенштейн и Джеймс Розенквист. Этот акцент на поверхности является повторяющейся особенностью постмодернистского искусства и иногда выходит за рамки мелодраматических, ослепительных, даже шокирующих образов. Посмотрите, например, модную фотографию Ника Найта и Дэвида Лашапеля. С 1980 года использование компьютерных и других технологий произвело революцию в мультимедийном искусстве (например, анимации) и создало особые возможности в таких областях, как архитектура и проекционное отображение.
Важность, которую постмодернизм придает привлечению внимания аудитории, прекрасно иллюстрируется шоковой тактикой группы студентов Колледжа Голдсмитов, известных как Молодые британские художники, в Лондоне в конце 1980-х и 1990-х годах. Ставшие известными благодаря трем выставкам — Freeze (1988) и Modern Medicine (1990), куратором которых был неизвестный студент по имени Дэмиен Херст (р.1965), и Sensation (1997) — YBA были раскритикованы за их шокирующий дурной вкус, и все же некоторые (Рэйчел Уайтред, Дэмиен Херст, Дуглас Гордон, Джиллиан Вир, Крис Офили, Стив Маккуин, Марк Уоллингер) стали лауреатами премии Тернера, в то время как другие (Джейк и Динос Чепмен, Трейси Эмин, Марк Куинн и Дженни Сэвилл) также добились значительной славы и успеха. фортуна.
Три принципа «Постмодернистского искусства»
1. Мгновенный смысл
Больше никаких выцветших картин маслом, изображающих непонятные события из греческой мифологии, чтобы вызвать понимающую улыбку у образованных зрителей. С самого своего зарождения в движении поп-арта постмодернистская живопись и скульптура были смелыми, яркими и мгновенно узнаваемыми. Темы и изображения были заимствованы в основном из популярных потребительских товаров, журналов, рекламной графики, телевидения, фильмов, мультфильмов и комиксов. Впервые все поняли искусство, представленное на выставке. Хотя постмодернизм эволюционировал со времен поп-арта, ключевой целью остается мгновенное признание.
Однако некоторые произведения «постмодернистского искусства» более «мгновенно поняты», чем другие. Возьмем, к примеру, Эквивалент 1 (1966, Художественный музей, Базель) Карла Андре (р.1935). Это одно из тех произведений искусства, которые должны быть объяснены экспертом, прежде чем их можно будет оценить. Это постмодернистская минималистская скульптура, состоящая из 120 обычных строительных кирпичей. Кирпичи укладываются друг на друга на полу в два слоя по 60 кирпичей, расположенных в точной прямоугольной конфигурации из трех блоков по двадцать блоков. На первый взгляд этот шедевр современного искусства выглядит как нечто, что вы могли бы увидеть на супер-аккуратной строительной площадке. К счастью, каталог вашей художественной галереи говорит вам, что Андре принял радикальное решение сделать искусство плоским на полу в 1965 году, когда катался на каноэ по озеру в Нью-Гэмпшире, и что эта величественная груда кирпичей иллюстрирует его художественное кредо «форма = структура = место». Как оказалось, первоначальный эквивалент 1 был «уничтожен» в 1966 году и «переделан» в 1969 году. (Может быть, им для чего-то понадобились кирпичи).
2. Искусство может быть сделано из чего угодно
Продолжая традиции Марселя Дюшана, чей писсуар под названием «Фонтан» (1917) был первым известным примером превращения обычного предмета в произведение искусства, постмодернисты взяли за правило создавать произведения искусства из самых невероятных материалов и обрывков мусора. Смотрите: Мусорное искусство. Скульпторы, инсталляционисты и художники-ассамбляжи создавали произведения искусства из промышленного металлолома, противогазов, войлока, человеческих черепов, человеческой крови, дохлых мух, неонового освещения, поролона, банок из-под супа, бетона, резины, старой одежды, слоновьего навоза и многого другого. Идея этого состоит в том, чтобы демократизировать искусство и сделать его более доступным.
3. Идея имеет большее значение, чем само произведение искусства
Вообще говоря, вплоть до 1960-х годов художники (включая Пикассо, Поллока и Лихтенштейна) считали, что без готового продукта ничего не было. Поэтому огромное внимание уделялось качеству готового произведения искусства и мастерству, необходимому для его изготовления. Сегодня все по-другому. Постмодернисты, как правило, сильнее верят в концепцию, лежащую в основе готового продукта, чем в сам продукт. Вот почему многие «постмодернистские произведения искусства» известны как «Концептуальное искусство» или «Концептуализм». Примером этого нового подхода является концептуальное произведение (список инструкций) Мартина Крида под названием «227: Включение и выключение света» (2001), которое получило премию Тернера в 2001 году. Другие формы концептуализма без продукта включают инсталляции (которые, в конце концов, являются чисто временными делами), перформанс, хеппенинги, проекционное искусство и так далее.
Возможно, лучшим примером концептуального искусства стала выставка, состоявшаяся в марте 2009 года во французском Национальном музее современного искусства в Центре Помпиду в Париже. Озаглавленная «Специализация чувствительности в состоянии сырья в Стабилизированную изобразительную чувствительность», она состояла из девяти совершенно пустых комнат и ничего больше.