Что такое Модная фотография?
Термин «модная фотография» (Fashion Photography) описывает вид изобразительной художественной фотографии, посвященный продвижению предметов моды, таких как одежда от кутюр, а также одежды массового спроса, обуви, парфюмерии и других фирменных товаров, разработанных модными домами по всему миру. Практикуемую многими величайшими фотографами мира «модную фотографию» следует рассматривать в первую очередь как форму визуального искусства, а не как прикладное искусство, поскольку созданные изображения не выполняют утилитарной функции. Кроме того, модные фотографии 21 века, как и основная телевизионная реклама, в первую очередь связаны с продвижением бренда (то есть концепции), а не физического продукта.
Каким бы ни было его точное значение или эстетика, «модная фотография» тесно связана с современным искусством и популярной культурой. Она не только отражает популярные взгляды, стремления и вкусы, но также отражает взгляды женщин на их представление о себе, половой принадлежности и сексуальности. Кроме того, «модная фотография» неразрывно связана со средствами массовой информации. Первоначально созданная для удовлетворения потребностей женских журналов, она мгновенно оказывает влияние во всем мире благодаря цифровой компьютерной революции и Интернету. Хотя Нью-Йорк заменил Париж в качестве мекки модной фотографии еще в 1940-х годах, Париж и Милан остаются важными творческими центрами, в то время как дальневосточные города в Индии и Китае, несомненно, вскоре станут международными центрами моды.
История модной фотографии
Самые ранние модные фотографии были сделаны в 1860-х годах, чтобы запечатлеть творения ведущих парижских домов моды. Идея нанимать профессиональных моделей считалась отвратительной, поэтому модные фотографы полагались на светских знаменитостей, таких как Гертруда Вандербильт Уитни или Сара Бернар, в качестве моделей. Даже когда позже были наняты штатные модели, художники рисовали их, а не фотографировали, потому что кутюрье и дизайнеры считали, что фотографии выдадут их секреты. Только в конце 1880-х годов фотографии моделей были использованы, а затем напечатаны в модных журналах, после изобретения процесса полутоновой печати Фредериком Юджином Айвсом (1856-1937).
Этот новый процесс печати позволил воспроизводить модные фотографии в журналах с массовым тиражом и продавать моду массовой аудитории. Двумя наиболее важными модными журналами (оба основаны в Америке) были Harper’s Bazaar (основан Harper & Brothers, впервые опубликован в 1867 году, позже куплен Херстом) и Vogue (основан Артуром Турнуром, впервые опубликован в 1892 году, позже куплен Conde-Nast). Эти журналы и их расширяющаяся читательская аудитория, наряду с быстрым развитием американских технологий в области фотографии и печати, сделали Соединенные Штаты важным центром в области модной фотографии.
Парижская культура и мода (1880-1930)
Но, несмотря на техническое превосходство Америки, Париж оставался центром западной
культуры, особенно в области изобразительного искусства и гравюры. Действительно, с появлением основных художественных направлений, таких как импрессионизм (1873-83), постимпрессионизм (1880-1900), модерн (1890-1914), фовизм (1905-6) и кубизм (1907-14), Париж стал Меккой для всех серьезных художников, занимающихся живописью и скульптурой. Берлин был еще одним важным центром авангардного искусства и дизайна, благодаря влиянию немецкого экспрессионизма, а также влиятельной галерее Штурм (1912-32), более поздней школе дизайна Баухаус (1919-1933) и деятельности таких фотографов, как Джон Хартфилд (1891-1968), Рауль Хаусман (1886-1971), Ханна Хох (1889-1978), Генрих Хоффман (1885-1957) и Ласло Мохоли-Надь (1895-1946).
То же самое было и в моде. Все основные тенденции исходили из Парижа и Берлина, и именно эти французские и немецкие модные тенденции были представлены в Harper’s Bazaar и Vogue. А поскольку большинство крупных кутюрье и домов моды располагались в Париже, именно здесь была сделана большая часть новаторской фотографии моды. Действительно, первая серьезная модная фотосессия была проведена в Париже в 1911 году фотографом Эдвардом Стейхеном (1879-1973), когда он сфотографировал серию платьев, сшитых кутюрье Полем Пуаре, чтобы передать их физические качества, а также их официальный внешний вид. Опубликованные в журнале Art et Decoration изображения Стейхена были расценены как первые фотографии современной моды, когда-либо опубликованные. Другие французские журналы, в которых использовалась фотография моды в довоенные годы, включали La Mode Practique и La Gazette du Bon Ton, в то время как другие парижские фотографы моды начала 20-го века включают: братьев Сибергер — Жюля Сибергера (1872-1932), Луи Сибергера (1874-1946) и Анри Сибергера (1876-1956) — Maison Reutlinger, Буассонас и Тапонье и Анри Мануэля.
Примечание: Современная французская фотография моды возникла благодаря трем парижским фотографам, известным как братья Зеебергеры (Жюль, Луи, Анри), которые начали делать портретные фотографии высшего эшелона французского общества примерно в 1910 году. Когда эти непринужденные портреты красивых женщин, одетых по последней моде на скачках, курортах и кафе, начали появляться в журналах и журналах, такие кутюрье, как Шанель, Гермес и Мадлен Вионне, поспешили отправить своих моделей для фотографирования братьями.
Несмотря на сильный удар Первой мировой войны (1914-18), Франция сохранила свои позиции центра искусства и моды на протяжении 1920-30-х годов, благодаря рождению сюрреализма в 1924 году, а также появлению таких кутюрье, как Шанель, Баленсиага, Скиапарелли и Ланвин, каждый из которых стал известен своими уникальными стилями. В результате город продолжал привлекать лучших операторов, в том числе Хорста П. Хорст (1906-99), Ман Рэй (1890-1976), Сесил Битон (1904-80), Джордж Хойнинген-Хьюн (1900-68), Эрвин Блюменфельд (1897-1969), Брассай (1899-1984) и Андре Кертес (1894-1985), а также гениальный дизайнер Алексей Бродович (1898-1971).
Примечание: По обе стороны Атлантики появление универмагов значительно повысило доступность женской моды. В Париже ведущими магазинами модной одежды были Le Bon Marche, La Samaritaine и Grands Magasins Dufayel, в то время как в Америке они включали Macy’s, Mccreary’s, Abraham & Straus, магазин галантереи В Стюарте (все Нью-Йорк), Marshall Field & Company, Карсон Пири Скотт (оба Чикаго) и Ванамейкер (Филадельфия).
Модная фотография в Америке (1900-1930)
Такая активность в Париже не помешала развиваться и американской модной фотографии. Растущее богатство страны, мощь Harper’s Bazaar и Vogue, а также ее традиции фотографического искусства, примером которых являются работы Альфреда Стиглица (1864-1946), а позже Пола Стрэнда (1890-1976), Чарльза Шилера (1883-1965), Доротеи Ланге (1895-1965) и Уолкера Эванса (1903-1975), — все это вместе взятое сделало Нью-Йорк рассадником инноваций.
Первым известным американским фотографом моды был барон Адольф де Мейер (1868-1946), наиболее известный своими элегантными портретами знаменитостей, таких как Мэри Пикфорд, Джон Бэрримор, Лилиан Гиш, Рут Сент-Денис, король Великобритании Георг V и королева Мария, который в 1913 году стал первым официальным фотографом моды для американского журнала Vogue, ныне принадлежащего Conde-Nast. Де Мейер был первым, кто наполнил свои модные фотографии чувством «настроения», купая свои снимки в прозрачной атмосфере и мерцающем свете. Это усовершенствование открыло путь для модной фотографии, чтобы вызвать широкий спектр чувств у зрителя, тем самым отказавшись от традиционной традиции использования модных фотографий только в иллюстративных целях. (О вызывающих воспоминания эффектах, созданных ранними фотографами-портретистами, см. Работу Джулии Маргарет Камерон: 1815-79.)
В начале 20-го века еще одним важным фактором роста американской индустрии моды (и, следовательно, американской модной фотографии) был рост индустрии одежды «готовой к ношению» и одновременное развитие независимого американского стиля, совершенно не связанного с парижской модой. По сути, американский рынок моды переключился с парижской моды на индивидуальную готовую одежду, продаваемую и продвигаемую через такие журналы, как Women’s Wear Daily (основана в 1910 году), Harper’s Bazaar и Ladies Home Journal (основана в 1883 году, а в 1903 году стала первым американским журналом, охватившим 1 миллион подписчиков).
В 1924 году эффекты «мягкого фокуса» Адольфа де Мейера были вытеснены чистым геометрическим стилем фотографического модернизма Штайхена, который заменил простые, но изящные фоны декорациями де Мейера в стиле рококо. Подобно плавным линиям, геометрическим формам и обтекаемым формам ар-деко — чрезвычайно влиятельного дизайнерского движения, развившегося в Америке, — фотографии Стейхена показали, что американские модные фотографы намеревались возглавить Европу, а не следовать за ней. Тот факт, что Америка была страной европейских эмигрантов, освобожденных от традиционных и старомодных ценностей своей родины, был дополнительным преимуществом. Таким образом, Стейхен смогла изобразить современную женщину в современном стиле одежды, который отражал ее вновь обретенную свободу от корсета — ситуацию, позже описанную Хорстом П. Хорстом в его оригинальном образе Vogue, озаглавленном «Корсет Майнбохера» (1939). Смотрите также серию фотографий Стейхена Марион Морхаус, которая воплотила архетипическую «современную» женщину, хлопушку.
Еще одно важное событие было разработано Кармел Сноу, главным редактором Harper’s Bazaar, которая договорилась с венгерским спортивным фотографом Мартином Мункачи (1896-1963), чтобы он сделал несколько фотографий для распространения купальников на открытом воздухе на ветреном пляже. Когда Люсиль Брокау, модель, подбежала к камере, Мункачи сфотографировал ее в движении, размытую, с развевающимися волосами, и в этот момент разрушил условность, согласно которой модные фотографии можно делать только в контролируемой студийной среде. Спонтанный реализм Мункачи произвел революцию в эстетике модной фотографии и открыл путь для других.
Также важным было изобретение Kodachrome — разновидности цветной пленки, представленной компанией Eastman Kodak в 1935 году. Одной из первых фотохудожниц, использовавших цвет в модной фотографии, была Луиза Даль-Вулф (1895-1989), наиболее известная своими фотосессиями на открытом воздухе для Harper’s Bazaar. Она также была одной из первых, кто использовал естественное освещение и использовал экзотические локации для своих фотографий.
Сюрреалистическая Модная фотография
Парижское движение сюрреализма, возглавляемое его главным теоретиком Андре Бретоном (1896-1966), с его фантастическими, сказочными атрибутами оказало значительное влияние на модную фотографию. Это лучше всего иллюстрируется работой Мана Рэя, американского фотохудожника, который наметил совершенно новое направление в модной фотографии, главным образом потому, что он пренебрег условностями и экспериментировал с сюрреалистическими, экспрессионистскими образами в своей темной комнате. По сути, его надуманный, закрытый, живописный стиль работы представлял собой противоположный конец спектра спонтанности Мункачи. Другим важным фотографом-модельером-пикториалистом был Эрвин Блюменфельд (1897-1969), который использовал множество техник, включая соляризацию, надпечатку, сопоставление цветных прозрачных пленок и даже охлаждение влажных негативов в холодильнике для достижения своих сюрреалистических эффектов. Среди других фотографов, которые воплощали сюрреалистические идеи в своих фотографиях, были англичанин Питер Роуз Пулэм (1910-56), француз Андре Дерст (1907-49), американец Джордж Платт Лайнс (1907-55) и неподражаемый Сесил Битон.
Вторая мировая война и 1950-е годы
Начало войны побудило многих европейских художников, скульпторов и фотографов переехать в безопасные Соединенные Штаты. Эта тенденция началась в 1930-х годах и ускорилась со времени прихода Гитлера к власти в Германии в 1933 году. Так, например, дизайнер и фотограф Алексей Бродович (1898-1971) эмигрировал из Парижа в Нью-Йорк в 1930 году; Мартин Мункачи сделал это в 1934 году; Джордж Хойнинген-Хьюн переехал в 1935 году; и Эрвин Блюменфельд (1897-1969) в 1941 году.
Мода в Соединенных Штатах во время Второй мировой войны была удручающим бизнесом. Не только ощущалась серьезная нехватка модных материалов, дизайнеров и моделей, но и люди потеряли интерес к одежде перед лицом стольких трагедий и неопределенности. Мода считалась легкомысленной и ненужной формой потакания своим желаниям. Чтобы восстановить связь со своими читателями, модные журналы описывали роль женщин в войне, пропагандировали моду как средство укрепления морального духа, заменяли светские колонки военными репортажами и пропагандировали сшитую на заказ, но простую одежду в стиле униформы. Студийная фотография с ее дорогими системами освещения и сложными установками почти полностью исчезла. Многие фотографы (Ли Миллер в Париже, Сесил Битон в Лондоне, Луиза Даль-Вулф в Нью-Йорке) придерживались прямого, прямолинейного стиля, почти как в документальном фильме.
К концу войны мировой центр модной фотографии переместился из Парижа в Нью-Йорк, где соперничество между Harper’s Bazaar и Vogue было в самом разгаре. Самыми выдающимися фотографами в настоящее время были Мартин Мункачи, Луиза Даль-Вулф, Ирвинг Пенн (1917-2009), Ричард Аведон (1923-2004), все они внесут значительный вклад в модную фотографию, хотя Пенн и Аведон будут доминировать в жанре на долгие годы. Как и многие великие современные художники, они обладали способностью переосмысливать себя почти каждое десятилетие.
Фотографии Аведона отличались шикарной беззаботностью и безграничной жизнерадостностью. Он также обладал уникальным даром к изобретательному риску и творческим экспериментам, а также был проницательным искателем талантов, всегда находя «лицо», которое лучше всего отражает «внешний вид» момента, таких как Дориан Ли, Сьюзи Паркер, Твигги, Джин Шримптон, Брук Шилдс и Настасья Кински. Напротив, фотография Пенна была посвящена красоте и форме — элементам, которые наиболее идеально сочетались в его более поздней серии фотографий натюрмортов. Он был первым, кто использовал строгие серые и белые фоны, и его студийные аранжировки были одновременно эстетичными и тщательными. Если работу Аведона можно охарактеризовать как «непосредственную», то работу Пенна — как «монументальную». В дополнение к своей работе в моде оба мужчины создали выдающиеся портретные работы — см., например, бессмертный портрет Пабло Пикассо Пенна или портрет модели Довимы Аведона в платье от Диора в окружении африканских слонов.
Другим крупным послевоенным талантом был британский фотохудожник Норман Паркинсон (1913-90), который присоединился к Vogue (International) в 1946 году и начал работать в американском Vogue в 1949 году. Стиль Паркинсона «экшн-реалист» и его личность, превосходящая жизнь, помогли трансформировать традиционную модную фотографию.
В целом, можно сказать, что к середине 1950-х годов появилась новая подвижная и энергичная эстетика, пришедшая на смену более статичному довоенному подходу. В некотором смысле это было не более чем отражением растущей уверенности, проявляемой как бизнесом, так и потребителями по мере того, как процветание начало распространяться по всей Америке. С возродившимся интересом к одежде, усиленным стильным имиджем и нарядами кинозвезд, американские женщины начали хотеть больше моды, и журналы должным образом обязали их. В дополнение к Аведону, Пенну и Паркинсону, другими ведущими модными фотографами 1950-х годов были Уильям Кляйн (р. 1928) и Лилиан Бассман (1917-2012).
Примечание: Harper’s Bazaar и Vogue активно конкурировали за самых инновационных модных редакторов, арт-директоров и дизайнеров, многие из которых оказали огромное влияние на развитие одежды и других модных фотографий, оказав влияние на своих штатных фотографов и внештатных операторов. Два лучших примера включают: Алексея Бродовича, арт-директора Harper’s Bazaar (1934-56); и миссис Т. Рид Вриланд, редактор моды в Harpers (1936-1962), позже главный редактор Vogue.
Модная фотография 1960-х годов
В то время как 1950-е годы привнесли свежий, авантюрный дух в модное фотоискусство, 1960-е годы стали свидетелями тотальных перемен. Совершенно новый мир моды открылся в результате культурной революции 60-х годов. Новые формы поп-музыки, поп-арт, больше свободного времени, более либеральное отношение к сексу и, конечно же, внезапный «разрыв между поколениями» — все это вместе взятое сделало моду чрезвычайно актуальной для молодежи — явление, отраженное в появлении новых слов, таких как «модный» и «заботящийся о моде». Широко распространенное стремление выглядеть «модно» или «круто» породило спрос на новые стили, формы, материалы и цвета. Другие важные факторы, повлиявшие на отношение к моде (и, следовательно, к модной фотографии), включали войну во Вьетнаме, космическую программу НАСА, движение за освобождение женщин и проблему «расы». Несмотря на то, что молодежная культура не доминировала на 100 процентов, мода 60-х годов была пересмотрена в соответствии с требованиями молодежи.
Этот растущий спрос на моду, связанный с изменением социальных и моральных ценностей, оказал большое влияние на модную фотографию. Лучшие молодые фотографы, такие как лондонское трио Дэвида Бейли (р. 1938), Теренса Донована (1936-96) и Брайана Даффи (1933-2010), пользовались стремительно растущими гонорарами и культовым статусом; Бейли стал почти таким же знаменитым, как знаменитости, которых он фотографировал. Модели тоже, такие как Джин Шримптон (муза Бейли), Твигги, Лорен Хаттон и Верушка, стали именами нарицательными.
Если в модной фотографии 1960-х и была какая-то объединяющая эстетика, то это была «новизна». Журналам нужны были новые и захватывающие изображения, чтобы конкурировать. Дэвид Бейли был смелым, прямым и, несомненно, сосредоточенным; Теренс Донован был пионером в использовании суровой и суровой городской среды; Ясухиро Вакабаяси (р. 1930), более известный как Хиро, использовал необычное освещение, креативные сочетания и уникальное чувство цвета для создания монументального, сюрреалистического стиля.; Боб Ричардсон (1928-2005) поместил секс, наркотики и рок-н-ролл в свои фотографии, как и Арт Кейн (1925-95) — в 26 лет, арт-директор журнала Seventeen, в то время как Диана Арбус (1923-1971) создала некоторые из самых тревожных детских модных образов, когда-либо опубликованных.
Для краткого объяснения терминов камеры и фотографии, пожалуйста, смотрите: Глоссарий художественной фотографии.
Модная фотография 1970-х годов
В 1970-х годах экзотические стили хиппи 60-х годов были заменены более практичной одеждой. Джинсы стали «фирменным» предметом повседневной одежды, и спрос на готовую одежду (прет-а-порте) резко возрос. Мода распространилась от молодежи до людей всех возрастов, и этот новообретенный потребительский подход превратил моду в многомиллиардную индустрию, подкрепленную блестящими рекламными кампаниями и передовой телевизионной рекламой.
Французский Vogue теперь взял на себя творческое лидерство в модной фотографии благодаря таким фотографам, как Хельмут Ньютон (1920-2004) и Ги Бурден (1928-91). Ньютон был наиболее известен своими подрывными и эротическими образами, которые каким-то образом сохраняют ироничный тон, в то время как Бурден был известен своими высокохудожественными, красочными, иногда сюрреалистическими изображениями. Дебора Турбевилл (1932-2013) была первой, кто использовал модели с избыточным весом и неприглядными формами. Все три помогли превратить обычные, хорошо освещенные модные образы в нечто гораздо более острое и необычное.
Манекенщицы продолжали преуспевать и в 70-е годы. В 1975 году Марго Хемингуэй подписала первый контракт на миллион долларов в качестве лица духов Fabergé Babe, в то время как Лорен Хаттон появлялась на обложке Vogue 25 раз (!). Чернокожие модели также добились больших успехов, примером чего являются Иман, Доньяле Луна, Наоми Симс и Беверли Джонсон, которая была первой афроамериканской моделью, появившейся на обложке американского журнала Vogue в 1974 году. Среди других топ-моделей 70-х годов были Сибилл Шепард, Патти Хансен, Пенелопа Три, Грейс Джонс и Джерри Холл.
Модная фотография в 1980-х годах
В то время как некоторые из самых креативных модных фотографий 1980-х годов продолжали создаваться «старожилами», такими как Ричард Аведон — см., например, его рекламную кампанию «Диорс» или его снимок обнаженной Настасьи Кински, вплетенной в змею, — в центре внимания также оказались молодые фотографы, в том числе: Херб Риттс (1952-2002), наиболее известный своим культовым снимком «Стефани, Синди, Кристи, Татьяна, Наоми, Голливуд, 1989», который появился в журнале Rolling Stone.; Брюс Вебер (р. 1946), который представил новый взгляд на мужественность в своих фотосессиях для Армани и Кельвина Кляйна, как и Роберт Мэпплторп (1946-89) с его гомоэротическими снимками; и Джан Паоло Барбьери (р. 1938), известный своими работами для модельеров Армани, Версаче, Дольче и Габбана, Помеллато и Джузеппе Занотти. В то же время независимость женщин подчеркивалась в различных ситуациях такими фотографами, как Денис Пиль (р. 1944) и Берт Стерн (1929-2013).
Противоречие, всегда удобный инструмент, с помощью которого можно увеличить коммерческую удачу, подняло голову в результате модной кампании Benetton, снятой Оливьеро Тоскани (р. 1942). На одном изображении был изображен пациент, умирающий от СПИДа на глазах у скорбящих родственников, в то время как другие содержали ссылки на расизм, войну, религию и смертную казнь.
Ведущими супермоделями модной фотографии 1980-х годов были: Джиа Мари Каранги, Инес де ла Фрессанж, Шерил Тигс, Кристи Бринкли, Паулина Поризкова, Брук Шилдс, Хизер Локлир, Кэрол Альт и Эль Макферсон, среди прочих. Именно в это десятилетие супермодели перестали восприниматься как личности и стали рассматриваться как образы, точно так же, как кинозвезды. Посмотрите на снимки вечеринок знаменитостей, сделанные модным фотографом Роксаной Лоуит (р. 1965) с такими супермоделями, как Элль Макферсон, Наоми Кэмпбелл и другими.
Модная фотография 1990-х годов
Мода 90-х годов стала почти манерной, поскольку потребители приняли потертые стили гранж, а также татуировки и пирсинг на теле. Позже в этом десятилетии произошло возрождение некоторых стилей конца 60-х / начала 70-х, хотя 1990-е годы сохранили свою собственную остроту. Давно зарекомендовавшие себя художники, такие как Ирвинг Пенн и Хельмут Ньютон, продолжали доминировать в этой области, в то время как Эллен фон Унверт (р. 1954) представила зрителям свой уникальный бренд эротической женственности. Кроме того, Питер Линдберг (р. 1944), известный своими монохромными фотографиями, прославился благодаря своей обложке журнала Vogue в январе 1990 года с участием Кристи Терлингтон, Синди Кроуфорд, Наоми Кэмпбелл, Линды Евангелисты и Татьяны Патиц. Тем временем его младшего современника Стивена Мейзела (р. 1954) похвалили за снимки Мадонны в ее книге 1992 года «Секс» и на Ярмарке Тщеславия. Перуанский модный фотограф Марио Тестино (р. 1954) также привлек внимание своими фотографиями с обложки Vanity Fair 1997 года покойной леди Ди, принцессы Уэльской.
Ключевой фотографической тенденцией (получившей название «героиновый шик»), возможно, отражающей гендерную амбивалентность эпохи, было использование бледных истощенных моделей в андрогинном стиле, примером чего является фотосессия для «Одержимости» Кельвина Кляйна Марио Сорренти (р. 1971), на которой была изображена беспризорная Кейт Мосс.
1990-е годы ознаменовались апогеем модельной власти, воплощенной упомянутыми выше суперзвездами фотографии — Наоми Кэмпбелл, Линдой Евангелиста, Кристи Терлингтон, Клаудией Шиффер и Татьяной Патиц. Стиль героинового шика ненадолго вспыхнул в середине десятилетия, но сошел на нет с приходом к славе бразильской модели Жизель Бундхен в 1999 году. 90-е годы также стали свидетелями растущего использования известных знаменитостей в модных фотосессиях, примером чего является Джулия Робертс, которая стала лицом Lancome.
Модная фотография в 21 веке
Двадцать первый век уже отмечен тремя событиями: взрывами 11 сентября; глобализацией и обнищанием стран Третьего мира; и экономическим спадом (2007-2014). Это, по-видимому, повлияло на моду во многих отношениях. Этические методы торговли и экологичная политика формируют политику покупок. Готовая к носке одежда в настоящее время в основном производится в Китае. Эскапизм для смягчения финансовой и политической неопределенности способствовал возрождению модной фотографии в сюрреалистическом или китчевом стиле, а также продолжению использования знаменитостей и давно зарекомендовавших себя супермоделей. Растущее недовольство устоявшимися ценностями на волне жесткой экономии во всем мире продолжает стимулировать использование спорных элементов в дизайне модных фотосессий, хотя и не в такой степени, как конфронтационные модные фотосессии Оливьеро Тоскани 1980-х годов для Benetton.
После смерти Херба Риттса (в 2002 году), Ричарда Аведона, Хельмута Ньютона, Франческо Скавулло (в 2004 году) и Ирвинга Пенна (в 2009 году) ведущими современными фотографами моды стали Патрик Демаршелье, Стивен Майзель, Марио Тестино, Питер Линдберг, Оливьеро Тоскани (р. 1942), Энни Лейбовиц (р. 1949), Ник Найт (р. 1958) и Дэвид Лашапель (1963). Среди молодых художников-операторов — Кристоф Катнер, Глен Лакфорд, Крейг Макдин и Хавьер Вальхонрат.
Хотя Кейт Мосс, Наоми Кэмпбелл, Жизель Бундхен и другие «признанные» модели продолжают лидировать в этой области, к новому поколению профессиональных моделей 21 века, как указано в журнале American Vogue (май 2007 года), относятся: Агнесс Дейн, Лили Дональдсон, Шанель Иман, Даутцен Крус, Саша Пивоварова, Хилари Рода, Коко Роша, Джессика Стам, Каролина Трентини и Ракель Циммерман.
Тем временем ведущие модные журналы (помимо Vogue и Harper’s Bazaar) теперь включают Elle (самый продаваемый модный журнал в мире), Cosmopolitan, Seventeen, W, Vanity Fair, GQ, Grazia, Marie Claire, а также Dazed и Confused и Sleaze Nation.