Термин «Примитивизм» или «Примитивное искусство» представляет собой довольно расплывчатое (и неизбежно этноцентрическое) описание,которое относится к культурным артефактам «примитивных» народов…
…, то есть тех этнических групп, которые, как считается, имеют относительно низкий уровень технологического развития по общемировым стандартам.
Она включает в себя африканское искусство (к югу от Сахары), Океаническое искусство (Тихоокеанские острова), Искусство аборигенов (Австралия), а также другие виды наскального искусства из доисторических времен, а также Племенное искусство из (например) Америки и Юго-Восточной Азии. Понятие «примитивных» людей восходит к эпохе открытий (около 1500 года и далее) и в значительной степени (хотя и не исключительно) связано с христианско-кавказским мировоззрением.
Однако следует отметить, что термин «примитивное искусство» обычно не используется для описания китайских, индийских или исламских произведений искусства или произведений какой-либо из основных культур, включая египетскую, греческую или Римскую цивилизации.
Термин «примитивизм», появившийся в изобразительном искусстве в конце 19 века, используется для описания любого искусства, характеризующегося образами и мотивами, связанными с таким примитивным искусством. Отмеченный этнографическими формами, часто обладающими большой визуальной силой, этот художественный примитивизм датируется 1890-ми годами, когда он появился на таитянских картинах Поля Гогена (1848-1903) и быстро привел к тенденции среди французских и немецких художников экспрессионистского авангарда. Действительно, некоторые начали посещать коллекции этнологических артефактов: в 1902 году британо-американский скульптор Джейкоб Эпштейн посетил музей Трокадеро в Париже, так же как Дерен и Вламинк в 1904-5 годах и Пикассо в 1907 году; в 1903 и 1906 годах Эрнст Людвиг Кирхнер посетил этнологическую коллекцию в Дрездене; в 1907 году Кандинский увидел новую коллекцию примитивных экспонатов в Берлине, которую также посетили Шмидт-Роттлафф, Франц Марк и другие.
Влияние примитивизма на искусство
Начиная с 1906 года такие дилеры, как Поль Гийом, а также такие художники, как Матисс, Пикассо, Дерен и Брак, начали покупать маски и статуэтки африканских племен. В результате влияние «негритянского искусства» как на живопись, так и на скульптуру стало весьма заметным в Париже после 1907 года, а также в Берлине, Дрездене и Лондоне после 1912 года. К 1920 году она стала практически универсальной и продолжалась до начала 1930-х годов, когда океаническое, индийское и эскимосское искусство стало ведущим источником вдохновения для сюрреалистов и их последователей.
Среди художников, наиболее подверженных влиянию примитивизма, были немецкие экспрессионисты Эмиль Нольде (1867-1956) и Макс Печштейн (1881-1955), фовист Анри Матисс (1869-1954), современный румынский скульптор Константин Бранкузи (1876-1957), британский скульптор Джейкоб Эпштейн (1880-1959), итальянский портретист и скульптор Модильяни (1884-1920), Пабло Пикассо (1881-1973) и многие другие. Русский примитивизм оказал большое влияние на Наталью Гончарову (1881-1962), которая разработала стиль неопримитивистского искусства. Влияние африканского, океанического, аборигенного и другого так называемого примитивного искусства на западных художников продолжается и по сей день и охватывает ряд форм, включая живопись, скульптуру, ассамбляж, боди-арт (например, рисование лица и боди-арт), татуировку, резьбу по дереву и другие.
Примитивистские скульптуры и картины
Хотя художники были первыми, кто проявил интерес к примитивизму, его наибольшее влияние оказала скульптура. Художник-фовист Андре Дерен даже научился вырезать из известняка, чтобы создавать работы в примитивном стиле. К числу величайших произведений искусства, созданных в примитивной манере, относятся следующие:
Величайшие скульптуры в примитивном стиле (два примера из множества)
Величайшие картины в стиле Примитивизма (два примера из множества)
«Луна и Земля» (1893, МоМА, Нью-Йорк) Поля Гогена — работа, в которой Гоген отождествляет нецивилизованное женское тело как с лунными ритмами, так и с регенеративными силами земли
«Кариатида» (1912, Художественный музей Согецу, Токио), одно из многих «примитивистских» полотен Амедео Модильяни
Примитивизм: Наивное/Постороннее искусство
Кроме того, термин «примитивизм» также используется для описания искусства, созданного «примитивистами» — так называют некоторых художников, обычно самоучек, чьи картины упрощены по форме и цвету и лишены традиционных мотивов, таких как светотень, линейная перспектива и другие типы пропорциональности. Характеризуемая детскими образами, эта категория примитивного искусства в западном стиле также известна как «Искусство аутсайдера», «Наивное искусство» или Art Brut («сырое искусство») и иллюстрируется работой Анри Руссо «Ле Дуанье» (1844-1910): см., например, его шедевры:
и
Среди других художников-примитивистов: Пауль Клее (1879-1940), Михаил Ларионов (1881-1964), Л.С. Лоури (1887-1976), Жан Дюбюффе (1901-85), Фрида Кало (1907-1954), Асгер Йорн (1914-73), Карел Аппель (1921-2006) и другие представители европейского авангарда 1950-х годов. Крупнейшим собранием произведений искусства аутсайдеров является коллекция Жана Дюбюффе de l’Art Brut, расположенная в швейцарской Лозанне. Небольшая коллекция — это Коллекция произведений искусства Масгрейва Кинли Аутсайдера в Ирландском музее современного искусства (IMMA), в которой представлены работы таких художников, как Алоиз, Генри Даргер, Мэдж Гилл, Хаузер, Дж. Б. Мурри, Освальд Чиртнер, Ван Генк, Вольфли, Земанкова и другие.
Доисторическое искусство — это не примитивизм
Все скульптуры (например, Статуэтки Венеры) и живопись (например, наскальная живопись), созданные в эпоху палеолита (каменный век), то есть в период до 10 000 лет до н. э., классифицируются как доисторическое искусство. Поскольку все люди этого периода вели примитивный образ жизни, термин «примитивное искусство» неприменим к доисторической эпохе.
Неотъемлемая часть истории и культуры
Однако обратите внимание, что искусство — это не изолированное явление. Это часть культуры, связанная с историей культуры и с историей народа. Следовательно, мы должны рассматривать первобытное искусство просто как общий термин, охватывающий различные исторические явления; продукты различных рас, менталитетов, темпераментов, исторических событий и влияний окружающей среды. Каждый народ, каким бы примитивным он ни был, выработал свой особый стиль, отдавая предпочтение определенным предметам и узорам или определенному расположению линий и пространств.
Примитивизм в противовес Академическому искусству
Бесчеловечные последствия индустриализации 19 века в сочетании с кровавой бойней Великой войны (1914-18) привели к тому, что многие художники разочаровались в культуре и ценностях своего собственного общества, которое они считали коррумпированным и морально обанкротившимся. Изобразительное искусство — особенно официальное «академическое искусство», преподаваемое в Академиях, — отождествлялось с этими коррумпированными ценностями. По сравнению с этим «примитивное» искусство казалось более спонтанным, более честным и более эмоционально заряженным.
Примитивизм и эстетика
Отнесение картины или скульптуры к категории «примитивных» предполагает существование «непримитивного» искусства. Как мы должны описать такую категорию «непримитивного» искусства? — Модернистское? Прогрессивное? Технологически продвинутое? Ни одно из этих описаний не кажется удовлетворительным. Возможно, потому, что такой категории не существует. В конце концов, эстетика — это не наука — не существует такого понятия, как «продвинутая красота» или «примитивная красота».
Мы больше всего ценим знакомое нам искусство
Довольно часто кажется, что полное наслаждение красотой возможно только тогда, когда мы сталкиваемся с произведением искусства, которое либо принадлежит к нашему собственному типу культуры, либо, по крайней мере, поверхностно связано с нашей собственной эстетикой или идеалами художественной красоты. Сочетания формы и цвета, выработанные иностранными цивилизациями, могут обладать многими привлекательными свойствами, но они остаются окутанными таинственной атмосферой, которая может быть совершенно чуждой нам.
Работы, отражающие стиль «примитивизма», можно увидеть в некоторых из лучших художественных музеев мира.
Плохое искусство — это не Примитивное искусство
Поскольку первая стадия чего-либо обычно неразвита и незакончена, для слова «примитивный» появилось популярное значение, обозначающее что-то грубое — отсутствие того определенного соответствия линий, пространств или цветов, которое является источником наших эмоциональных ощущений, когда мы смотрим на настоящее произведение искусства. «Примитивная работа» в этом смысле может быть просто работой неудачника, которому не хватает как художественного вдохновения, так и технических навыков, и в этом случае она не имеет ничего общего с реальной примитивностью, а является просто плохим искусством, не имеющим даже документальной ценности, чтобы рекомендовать ее. С другой стороны, если это работа дикаря или ребенка, это будет иметь некоторое значение, по крайней мере, как генетическое или психологическое доказательство.
Мода диктует эстетику
Художественный стиль — это не статичное, а динамичное явление, связанное и меняющееся с определенным периодом культурного развития. Это установленный факт, что существует нечто вроде периодичности художественных стилей, соответствующей периодичности вкусов. Неизвестно, в какой степени стиль и эмоциональная реакция на него обусловлены друг другом. Наиболее очевидной характеристикой современного художественного вкуса является простота. Живя в очень сложном мире, шумном и механизированном до предела, человек двадцатого века развил сильную тенденцию к простоте — простоте во внешних формах повседневной жизни, отвращению к украшениям в архитектуре, мебели и посуде и предпочтению примитивности и спонтанности, а не утонченности и эстетике. Вот почему простота многих примитивных искусств так сильно привлекает его.
Критик Г.А. Стивенс однажды написал: «Примитивное искусство — это самая чистая, самая искренняя форма искусства, какая только может быть, отчасти потому, что оно глубоко вдохновлено религиозными идеями и духовным опытом, а отчасти потому, что оно совершенно бескорыстно как искусство; нет никаких трюков, которые могут быть приобретены недостойными, и никаких технических упражнений, которые могут маскироваться под произведения вдохновения. Однако такое суждение оправдано лишь сравнительно ограниченными разделами искусства примитивных рас. На самом деле «примитивный» художник не всегда так наивен, как хотелось бы думать.
В чем особенности примитивного искусства?
(1) Техника
Неадекватные технические средства не обязательно характерны для «примитивного искусства». Напротив, материалы, в которых работает первобытный художник — камень, слоновая кость, кость, дерево, камень и металл, — во многом такие же, как у академического художника. Даже в живописи цветовые пигменты минералов, овощей и даже животных во многих случаях схожи. Средства, которыми располагает примитивный художник, зависят от его культурного уровня и от его окружения. В африканском святилище или храме картина маслом на холсте была бы как исторически неверной, так и эстетически неприятной. Примитивные методы значительно различаются, но мы находим аналогичные методы, применяемые в совершенно разных областях. Например, метод скульптуры из дерева — это преимущественно рубка, а не резьба. Инструмент представляет собой своего рода тесло. Результатом в готовом изделии является граненая поверхность, на которой видны незапланированные метки инструмента. Этот метод «распространен в Западной и Южной Африке, Новой Гвинее и Северо-Западной Америке.
Цель примитивного художника — хорошее мастерство. Условия, в которых он работает, отличаются от условий его «цивилизованного» коллеги. Прежде чем он сможет приступить к художественной работе, он должен сначала собрать, изготовить и подготовить свои инструменты и материалы, и обычно ему приходится делать все это в одиночку. Возьмем, к примеру, художника-индейца Северной Америки. Среди индейцев равнин именно женщины отвечают за геометрический тип декоративного искусства. Мужчины ограничиваются репрезентативными картинами. В обоих случаях для получения красок необходимо собирать растения или минералы. Затем их необходимо сварить или измельчить и смешать с размером или жиром, чтобы установить пигмент. Затем необходимо тщательно подготовить шкуру буйвола и сделать поверхность как можно более гладкой для покраски.
Даже после очень сложного подготовительного процесса поверхность все еще настолько шероховата, что контуры необходимо сначала вдавить в землю, прежде чем можно будет выполнить собственно рисунок, и рисунок необходимо повторить несколько раз, чтобы тщательно вдавить пигмент в кожу. Следовательно, полихромное изображение на самом деле является цветной гравюрой, а не простым рисунком. Для фиксации требуется еще один сложный процесс, но он применяется только в геометрических конструкциях. Вся эта подготовительная работа требует квалифицированного мастерства и в основном носит механический характер. Такова была работа европейского художника в прежние времена. Сегодня художественные материалы любого описания можно купить готовыми. Только скульпторы все еще привязаны к какому-либо значительному количеству механического мастерства.
Вообще говоря, художник-примитивист сталкивается со сложной технической задачей. Это, однако, не означает, что он не является настоящим художником со своими собственными идеями, а иногда и подлинным художественным вдохновением. Много лет назад профессор Колумбийского университета Франц Боас познакомился с индейцем с острова Ванкувер, который был хорошим художником, хотя его работы были выполнены в традиционном стиле Северо-западного побережья. Этот индеец был так серьезно болен, что был прикован к постели. Но во время своей болезни он обычно сидел, держа кисть между губами, молчаливый и, по-видимому, не обращающий внимания на окружающее. Его с трудом можно было заставить говорить, но когда он говорил, он распространялся о своих видениях замыслов, которые он больше не мог осуществить. Несомненно, у него был «ум и отношение истинного вдохновенного художника». Эта тесная связь с солидным мастерством, по-видимому, является причиной того, что примитивный художник так часто добивается успеха. Художник-примитивист не только с самого начала точно знает, чего он хочет, но и продолжает с непоколебимым постоянством, пока это не будет достигнуто.
(2) Видение
Было высказано предположение, что отсутствие перспективы и других эстетических приемов делает даже примитивные искусства высокого качества, как правило, кажущимися нам либо гротескными, либо монотонными при первом контакте с ними. Это может быть справедливо для некоторого примитивного искусства, но это не может быть принято для всех. Ввиду большого разнообразия совершенно разных типов обобщения опасны. Точно так же насильственные отклонения от реальности нельзя рассматривать как характеристику чисто примитивного видения, поскольку они встречаются также в искусстве высокоразвитых культур. Это особенно верно в отношении отсутствия перспективы, которое можно найти в египетском, византийском и готическом искусстве, но это также очевидно в произвольном соотношении конечностей в фигурах, написанных Боттичелли или Эль Греко.
С другой стороны, художники палеолита и южноафриканские бушмены предприняли замечательные попытки в ракурсе, наложении цветов, линейной перспективе и цветовом затенении. Действительно, некоторые художники-примитивисты достигли высочайшего уровня в реалистическом изображении. Картины и рисунки бушменов очень нравятся нам, потому что мы без труда их понимаем. Этот вид графического искусства напоминает наш собственный. Это просто и бесхитростно. Следовательно, мы находим эти работы наивными и «примитивными» в оценочном смысле. Нам не нужно применять какое-либо новое или непривычное видение, поскольку, в конечном счете, примитивный художник, как и европейский художник, работает с натуры.
Это правда, что большая часть примитивного искусства, очевидно, была создана по памяти, и что боги, демоны и фантастические существа являются плодами воображения художника, хотя некоторые детали могут быть заимствованы из реальных форм. Но бесчисленные произведения искусства, особенно скульптуры, из Африки, Южных морей и Америки, настолько реалистичны и индивидуальны, что можно с уверенностью предположить, что художники на самом деле работали с натуры. Прежде всего, скульпторы древней Мексики и Перу (которые, конечно, были далеки от того, чтобы быть действительно примитивными), должно быть, смотрели прямо на природу, и их работы на самом деле являются шедеврами портретной живописи.
В Африке красивые головы из Ифе, без сомнения, являются портретами жизни, хотя некоторое иностранное влияние может быть ответственно за этот необычайно высокий уровень скульптуры. Но мы находим натурные портреты среди еще более примитивных африканских племен, на побережье Слоновой Кости, в парковых зонах Камеруна и в бассейне реки Конго. Портретная живопись существует также в Тихоокеанском регионе. Новозеландские маори разработали то, что можно назвать «схематической» портретной живописью, в соответствии с которой узоры татуировки, это безошибочное средство идентификации, позволили сохранить память об отдельных предках посредством изобразительного изображения.
Термины «реалистическое» или «натуралистическое» искусство обычно применяются к работе, которая сделана с натуры и, следовательно, соответствует природе. Но их значение, хотя и достаточно определенное в скульптуре, имеет тенденцию становиться двусмысленным применительно к изобразительному искусству. Если мы говорим о натуралистической картине, мы имеем в виду, что она соответствует оптическому впечатлению модели, наблюдаемому в данный момент под определенным углом. Но в другом смысле этого термина мы можем говорить о натурализме или реализме, если художник представляет все реально существующие детали, не только те, которые он может видеть в данный момент, но и те, которые, как он знает, существуют. В большинстве примитивных искусств реализм такого рода. Возможно, он достигает своего наивысшего развития на рентгеновских снимках Австралии, Меланезии и прибрежных районов Британской Колумбии и Южной Аляски. Здесь художник изображает каждую деталь тела, включая позвоночник, ребра и внутренние органы, потому что считает их не менее важными, чем характерные черты внешнего облика человека. Этот удивительный метод часто исходит из материальных интересов художника в конкретных деталях, а не из какой-либо эстетической оценки.
В Северо-Западной Америке есть монументальные настенные росписи, изображающие касаток (или других животных), которые отличаются изображением позвонков и ребер. Типичным для всего графического искусства Северо-Западной Америки является стилизованное изображение сустава. Этот странный визуальный метод ограничен несколькими регионами Тихоокеанского региона и, как предполагается, является одним из признаков того, что этот район, возможно, подвергался влиянию Запада в какой-то отдаленный период в прошлом. Интеллектуальный реализм такого рода не может претендовать ни на наивность, ни на простоту. Это (парадоксально) сложный вид примитивности.
Подчеркивание определенных черт фигуры часто приводит к игнорированию других, так что от реалистичного изображения постепенно отказываются. В конечном счете он заменяется символикой, где достаточно нескольких характерных черт, чтобы передать идею объекта, и может быть стилизован и преобразован в условные знаки. На крайней стадии развития изолированный коготь и одно крыло могут символизировать ворона. Но здесь мы уже покинули область натуралистического искусства и вступили в сферу абстрактного или традиционного дизайна.
Геометрические формы встречаются как в декоративных рисунках, так и в виде узоров в текстиле и плетении корзин. Разнообразие этих узоров бесконечно, хотя некоторые из них, такие как зигзагообразные полосы, лады, треугольники, различные типы крестов и т.д., Часто встречаются у совершенно разных народов. На самом деле они почти универсальны и не обязательно указывают на какую-либо историческую связь между несколькими искусствами, в которых они встречаются: мы находим четырехугольные лады, например, не только в Древней Греции и Китае, но и среди южноамериканских индейцев, меланезийцев, африканских банту и других африканских народов. Но с помощью определенной комбинации узоров, какими бы общими ни были отдельные элементы, художник создает особый стиль с ярко выраженным национальным колоритом, который позволяет нам приписать украшенный предмет определенному народу и часто определенному периоду. Это, конечно, относится к изучению искусства в целом и не ограничивается примитивным искусством.
Во многих случаях предполагается, что декоративные узоры символизируют материальные объекты — животных, растения и так далее, — в честь которых они названы. Связь между рисунком и его символическим значением возникает двумя способами: либо путем преднамеренного упрощения репрезентативного дизайна, как в Северо-Западной Америке, либо, наоборот, путем наблюдения случайных сходств между геометрическим рисунком и его натуралистической интерпретацией.
В декоративных узорах индейских племен в верхнем Шингу Матту-Гросу (Бразилия) преобладают два своеобразных узора: простой равносторонний черный треугольник, называемый улури, и параллелограмм с четырьмя углами, отмеченными маленькими равносторонними треугольниками. Последний паттерн называется мерешу. Это название рыбы, которая имеет почти квадратную форму, похожую на камбалу. Четыре черных треугольника в углах будут тогда представлять голову, спинной плавник, хвостовой плавник и брюшной плавник. Улури — это название, данное единственному платью, которое носят женщины племени, на самом деле это гигиеническая защита от насекомых, а не предмет одежды. Он состоит из сложенного куска пальмового листа в форме равностороннего треугольника, занимающего едва два квадратных дюйма и заканчивающегося полосой промежности, привязанной к веревке, которая служит поясом.
Профессор Макс Шмидт (в прошлом сотрудник Этнографического музея в Берлине) показал, что узоры улури и мерешу появляются случайно в плетеных корзинах, которые являются основным ремеслом среди племен шингу. Они возникают, в частности, из-за использования светлых и темных полос пальмового листа, пересекающих друг друга в различных комбинациях. Тогда ясно, что оба названия должны были быть применены к ним позже, после того, как ассоциация идей была вызвана появлением шаблонов.
В некотором роде, особая техника, используемая мастерами, часто приводила к разработке символических рисунков и определенного декоративного стиля. Случайное сходство может легко вызвать ассоциации, которые дают восприимчивому художнику импульс либо разработать природный объект для более полного представления чего-то, на что он уже похож, либо просто взять его в качестве модели. Было высказано предположение, что первые художники каменного века, возможно, были вдохновлены странными природными формами, такими как камни причудливой формы или скальные выступы. Однажды в Лондоне антиквар показал мне камень в форме головы быка длиной около двух с половиной дюймов, который он считал образцом палеолитической резьбы. Этот объект действительно имел удивительное сходство с быком, но при ближайшем рассмотрении оказалось, что это естественное образование, и сходство было чисто случайным.
Не только форма, но и цвет материала, используемого в скульптуре, может влиять на вдохновение художника. Возьмем пример из сферы высокой культуры: китайцы, у которых есть особый вкус к работе с твердым камнем различных цветов (нефрит, агат, халцедон, розовый кварц и т.д.), Часто невероятно искусно приспосабливают случайную форму и окраску камня В своих резных сосудах и фигурах. Если случайно на кусочке белого агата обнаружится красное пятно или жилка, камнерез может изготовить белую вазу, окруженную вишневым спреем, и он расположит ее так, чтобы красное пятно создавало эффект вишни.
Обобщения особенно опасны, когда речь заходит о наводящем эффекте технических форм.
Понимание эффектов искусственного декора в определенной степени выходит за рамки человеческой расы. Человек в своем самом раннем некультурном состоянии, возможно, был впечатлен красотой, как это происходит в природе, задолго до того, как он сам начал создавать художественные формы или имитировать линии и фигуры, встречающиеся в его естественной среде. Некоторые современные примитивные народы явно ценят красоту природы, и в Меланезии есть некоторые племена, которые в своем декоративном искусстве пытаются изобразить даже такие явления, как радуга и сияние моря, символическими орнаментами, а не в натуралистическом стиле. Для полной оценки произведения искусства его следует рассматривать, насколько это возможно, в обстановке, для которой оно было создано.
Это особенно верно в отношении примитивного искусства из-за его странного и совершенно иного культурного фона. Нельзя ожидать, что статуя предка или божества в условиях африканского освещения, предназначенная для того, чтобы всегда оставаться во мраке святилища или храма, произведет тот же эффект, когда она будет удалена из своего первоначального окружения и выставлена в стеклянном шкафу в европейской комнате. Могут появиться другие эффекты света и тени, и они могут быть не менее привлекательными, но они не оригинальны и добавляют статуе иностранную нотку.