Авангардное искусство (Avant-Garde Art)

Авангардное искусство (Avant-Garde Art)

В чем смысл слова «Авангард»?

В изобразительном искусстве термин «авангард» (от французского «vanguard») традиционно используется для описания любого художника, группы или стиля, который считается значительно опережающим большинство в своей технике, тематике или применении. Это очень расплывчатое определение, не в последнюю очередь потому, что нет четкого консенсуса относительно ТОГО, КТО решает, опережает ли художник свое время или ЧТО подразумевается под опережением. Иными словами, быть авангардистом означает исследовать новые художественные методы или экспериментировать с новыми техниками, чтобы создавать лучшее искусство. Акцент здесь делается на дизайне, а не на случайности, поскольку кажется сомнительным, что художник или скульптор может случайно оказаться авангардистом. Но что представляет собой «лучшее» искусство? Означает ли это, например, что живопись более эстетична? Или более значима? Или более ярко окрашена? Вопросы продолжаются и продолжаются!

Возможно, лучший способ объяснить значение авангардного искусства — это использовать аналогию с медициной. Подавляющее большинство врачей придерживаются основных правил при лечении пациентов. (Точно так же большинство художников следуют традиционным условностям при рисовании.) Однако очень небольшая группа врачей и исследователей экспериментирует с радикально новыми методами. (Эта группа соответствует художникам-авангардистам.) Большинство из этих новых методов ни к чему не приводят, но некоторые навсегда меняют направление медицины. (Пикассо и Брак оказали аналогичное влияние на искусство.)

Радикальный, даже подрывной

Сообщается, что этот термин впервые был применен к изобразительному искусству в начале 19 века французским политическим писателем Анри де Сен-Симоном, который заявил, что художники служили авангардом в общем движении социального прогресса, опережая ученых и другие классы. Однако с начала 20-го века этот термин сохранил оттенок радикализма и подразумевает, что для того, чтобы художники были по-настоящему авангардными, они должны бросить вызов художественному статус-кво — то есть его эстетике, его интеллектуальным или художественным конвенциям или его методам производства — до такой степени, чтобы быть почти подрывными. Используя эту интерпретацию, Дада (1916-24), вероятно, является высшим примером авангардного визуального искусства, поскольку оно бросило вызов большинству основ цивилизации.

История авангардного искусства

Итальянский Ренессанс был, вероятно, самой авангардной эпохой в истории живописи и скульптуры. Фигуры из Библейского Святого Семейства были представлены в совершенно естественной манере — радикальный отход от византийских, даже готических, произведений искусства. Кроме того, нагота стала не только приемлемой, но и самым благородным типом образных образов — свидетелем изгнания Мазаччо из Эдемского сада (1426, часовня Бранкаччи, Флоренция) Мазаччо и гипермодернистской бронзовой скульптуры Давида Донателло (около 1440, Музей Барджелло, Флоренция).

Несмотря на краткий расцвет Караваджо, который оживил гуманистическую тенденцию в живописи своими крестьянскими изображениями Христа и других членов Святого Семейства (и Джузеппе Арчимбольдо с его портретами фруктов и овощей), гипермодернистские традиции Возрождения постепенно сменились повторением, подражанием и полным соответствием. Великие Европейские академии изящных искусств, поддерживаемые Католической церковью, ввели набор непреклонных правил и условностей, которые художники игнорировали на свой страх и риск — отклоняющимся было отказано во въезде в Салоны и другие официальные выставки. Возможно, только в Голландии существовал подлинный дух художественного исследования, особенно в форме интенсивно вызывающей воспоминания портретной живописи Рембрандта и нового типа жанровой живописи, изысканно переданной Яном Вермеером и другими.

Только когда пыль осела после Французской революции, художники по-настоящему начали экспериментировать снова. Все началось с пейзажной живописи. Новая традиция пленэра была инициирована Коро и другими представителями Барбизонской школы; немецкий художник-символист Каспар Давид Фридрих привнес в свои пейзажи новую форму романтизма; и жанр был поднят на еще более высокий и экстраординарный уровень английским гением Джеймсом Тернером. Историческая живопись тоже стала авангардной с такими работами, как «Третье мая 1808 года» Гойи (1814, Прадо, Мадрид), в которых не было героев и не было вдохновляющего послания.

Следующей по-настоящему авангардной школой был импрессионизм — первое крупное направление современного искусства, которое перевернуло цветовые условности с ног на голову. Внезапно трава может быть красной, а стога сена — синими, в зависимости от сиюминутного эффекта солнечного света, воспринимаемого художником. Сегодня импрессионизм можно рассматривать как мейнстрим, но еще в 1870-х годах общественность, а также художественная иерархия были шокированы. С их точки зрения, трава была зеленой, а стога сена — желтыми — и все.

Авангардное искусство начала 20 века

Первые три десятилетия искусства двадцатого века породили волну революционных движений и стилей. Сначала появился фовизм (1905-8), цветовая гамма которого была настолько драматичной и противоестественной, что его членов окрестили «дикими зверями». Затем аналитический кубизм (1908-12) — вероятно, самое интеллектуальное из всех авангардных течений, — которое отвергло традиционную идею линейной перспективы в пользу большего акцента на двумерной плоскости изображения, вызвав скандал в академиях искусств Европы — вместе с посетителями Парижского салона независимых и Нью-Йоркской оружейной выставки (1913) — в процессе. Между тем, в Дрездене, Мюнхене и Берлине немецкий экспрессионизм был передовым стилем, как это практиковали Die Brucke (1905-13) и Der Blaue Reiter (1911-14), в то время как в Милане футуризм представил свое уникальное сочетание движения и современности.

Пять важных дилеров авангардного искусства в Париже в период 1900-30 годов включают Соломона Р. Гуггенхайма (1861-1949), Амбруаза Воллара (1866-1939), Даниэля-Генри Канвайлера (1884-1979), Поля Гийома (1891-1934) и Пегги Гуггенхайм (1898-1979). В Германии, великим центром экспрессионистского авангарда, была галерея Штурма Уолдена.

Но самым иконоборческим движением всех времен, пожалуй, является Дада, основанное Тристаном Тцарой (1896-1963), которое загорелось в Цюрихе в 1916 году, прежде чем распространиться на Париж, Берлин и Нью-Йорк. Дадаисты отвергли большинство, если не все, буржуазные ценности изобразительного искусства в пользу пьянящей смеси анархизма и гипермодернистских инноваций. Последнее включало в себя ряд подрывных идей, которые в настоящее время считаются относительно распространенными, таких как создание макулатуры из «найденных предметов» («редимейды» Дюшана) и внедрение трехмерного коллажа («Мерцбау» Швиттерса). Можно также сказать, что художники Дада изобрели исполнительское искусство и хеппенинги, а также Концептуальное искусство более чем на пятьдесят лет раньше своих преемников-постмодернистов. Менее непримиримым преемником Дада стал сюрреализм, который забавлял, но в конечном счете не смог сохранить импульс к переменам. После Дада, возможно, только голландский художник Пит Мондриан с его стилем геометрической абстракции Де Стийля (неопластицизм) был подлинно экспериментальным. В пластическом искусстве авангард был умело представлен модернистом Константином Бранкузи, футуристом Умберто Боччони, художником-кинетиком Александром Колдером и йоркширской скульпторшей Барбарой Хепворт, которая в своей знаменитой работе 1931 года «Проколотая форма» представила «дыру» в искусстве скульптуры.

Авангардное искусство середины 20 века

Авангардизм в течение 1940-х годов и далее появлялся урывками. Отчасти это было связано с тем, что преобладало абстрактное искусство, и в абстракции было очень мало принципиально нового. В Америке, это правда, Джексон Поллок (1912-56) изобрел экшн-живопись; Марк Ротко (1903-70) наделил свои абстрактные композиции красочными эмоциями, в то время как Роберт Мазервелл и Барнетт Ньюман вложили свои в повествование; но к середине 60-х абстракция была «потраченной силой». Минимализм упростил его и попытался придать ему более мощный смысл, но публика на самом деле не была заинтересована. Они предпочитали поп-арт — новую эстетику 60-х, которая внезапно снова сделала искусство доступным. Однако, за исключением нескольких исключительных мультимедийных художников, таких как Роберт Раушенберг и Энди Уорхол, и, возможно, скульптора Клааса Ольденбурга, поп-арт оставался модным, но предсказуемым. Тем временем в Италии в конце 1960-х годов скромное сырье, использованное в сборках, инсталляциях и исполнительском искусстве Arte Povera, усилило экспериментальный характер движения, в то время как в Америке как искусство деревянной сборки Луизы Невельсон (1899-1988), так и «накопления» Армана (1928-2005) добавили поп-культуре. Тем временем в Европе в 1950-х и начале 1960-х годов вкус авангардизма был привнесен художниками-экспериментаторами Жаном Дюбюффе (см. Art Brut) и Ивом Кляйном, а также швейцарским скульптором и Жаном Тингли (1925-91), которые присоединились к Александру Кальдеру в развитии кинетического искусства.

Влиятельной фигурой в американском авангардном искусстве 1940-50-х годов был Джон Кейдж (1912-92), композитор и гравер. Известный своей революционной музыкальной композицией 4 минуты 33 секунды (в которой не было ни одной ноты музыки!), Кейдж читал лекции в колледже Блэк Маунтин и оказал влияние на таких художников, как Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс.

Авангардное искусство конца 20 века

Постмодернистское искусство появилось в конце 1960-х — начале 1970-х годов. Это привело к появлению совершенно новых форм современного искусства, большая часть которых была почти, по определению, авангардной. Эти новые формы искусства включали: феминистское искусство, популяризированное Джуди Чикаго (р.1939) и Кэрол Шнеманн (р.1939); Художественную фотографию, примером которой являются Роберт Мэпплторп (1946-89) и Нэн Голдин (р.1953); также искусство инсталляции, примером которого являются Джозеф Бойс (1921-86), Брюс Науман (р.1941), Кристиан Болтански (р.1944), Ричард Уилсон (р.1953) и Мартин Крид (р.1968).; Видеоарт, созданный Биллом Виолой (р.1951) и другими; Концептуальное искусство, воплощенное в работах Сола Левитта (р.1928), Евы Гессе (1937-70) и Джозефа Кошута (р.1945); Исполнительское искусство и связанный с ним стиль событий, примером которого являются Аллан Капроу (р.1927), Ив Кляйн (1928-62), Вольф Фостелл (1932-98), Гюнтер Брус (р.1938), Герман Нитч (р.1938), Гилберт и Джордж и другие. Движение Флюксуса. Для некоммерческой формы современного искусства Ледяная скульптура — возможно, последнее слово в «найденных объектах». Одной из последних творческих мод является экстремальная форма боди-арта, примером которой являются рискованные выступления сербской художницы Марины Абрамович (р.1946).

В конце 1980-х и 1990-х годах в Великобритании возникла авангардная группа, известная как Молодые британские художники (YBA), в состав которой входили лауреаты премии Тернера Марк Уоллингер (р.1959), Рэйчел Уайтред (р.1963), Джиллиан Уиринг (р.1963), Дэмиен Херст (р.1965), Дуглас Гордон (р.1966), Крис Офили (р.1968) и Стив Маккуин (р.1969). Еще одним спорным участником была Трейси Эмин (р.1963). Эти молодые художники-постмодернисты вызвали огромные споры из-за своего вызывающего, даже подрывного подхода к своей тематике и использованию материалов (слоновий навоз, личинки, мертвая акула, человеческая кровь), что шокировало как искусствоведов, так и общественность. Несмотря на это, их авангардный подход оживил британское искусство и завоевал им огромное количество поклонников, в том числе покровительство Чарльза Саатчи, ведущего британского коллекционера современного искусства, наряду с многочисленными выставками в знаменитой галерее Саатчи и выставкой Sensation (1997) в Лондонской Королевской академии.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.