Марк Шагал. Искусство, жизнь и мир символизма

мини
Искусство и жизнь


Марк Шагал (1887-1985) пережил странную судьбу на своей бывшей родине в России. И все же именно к России Шагал обращался в дни радости и печали. Символизируя его бывшую родину, заснеженные дома и православные церкви Витебска были постоянной чертой его картин и гравюр - вплоть до самого конца.

Именно в Витебске и Санкт-Петербурге Шагал превратился в мастера, ныне известного и любимого во всем мире. Многие из его знаменитых шедевров были созданы в Витебске, Санкт-Петербурге и Москве. Первая монография о художнике была опубликована в России в 1918 году. За этим последовал длительный период молчания и несправедливой критики мастера в Советском Союзе.
 
1911г. Марк Шагал
Я и деревня. 1911г. Марк Шагал

Марк Шагал прожил долгую и творческую жизнь, наполненную захватывающими эстетическими открытиями. Он пережил всех своих современников - пионеров русского авангарда, избежав их профессиональных неудач и преследований. Шагал теперь стоит рядом с такими другими ведущими парижскими художниками, как Матисс, Пикассо и Фернан Леже, как ведущий реформатор, внесший большой вклад в художественное видение человечества. Работы мастера - это плоть и кровь двадцатого века - смесь ярких духовных и научных восхождений и темных спусков в трагедию войны и геноцида.

Культурная и социальная среда России в первой четверти ХХ века была важным элементом в формировании его богатого творчества и художественного сознания. Шагал был намного моложе художников группы "Голубая роза" Михаила Ларионова, Натальи Гончаровой и большинства участников "Бубнового валета". Он начал свою карьеру, когда молодое поколение русских художников заново открывало для себя русские провинции, вдохновленное смелыми экспериментами Гогена, Сезанна и Ван Гога. Они пытались вырваться из тирании "школ и академий", стремясь к свободному самовыражению в искусстве. Привлеченные духовной энергией мира, нетронутого язвами современной цивилизации, красотой и экзотикой провинциального искусства, они были вдохновлены простой выразительностью гравюр на лубках, деревянных и глиняных игрушек, расписных подносов и традиционных вывесок магазинов.
 

Россия и Беларусь


1911 г. Марк Шагал
Свадьба. 1911 г. Марк Шагал

Шагал вырос в этой среде, не зная ничего другого до девятнадцати лет. Это была обстановка для его детских игр, юности, первой любви, первых стихов и постепенной реализации его природного таланта к искусству. Жизнь в бедных еврейских районах Витебска состояла из ежегодного цикла религиозных праздников, строгого соблюдения хасидских обрядов и постоянной угрозы погромов. Атмосфера официальных запретов и постоянное чувство несправедливости в Черте оседлости развили волю к жизни и стремление к высшим идеалам. Родители Шагала - торговец рыбой и владелец небольшого продуктового магазина - усердно трудились, чтобы на столе всегда был хлеб для их девяти детей. Когда ему исполнилось тринадцать, им удалось преодолеть все препятствия и отправить его в начальную школу. Его сразу же зачислили в третий класс, где он проявил талант к искусству - к большому разочарованию своих родителей.

После окончания школы в 1906 году Шагал работал учеником фотографа. В течение трех месяцев он изучал живопись и рисунок в мастерской Иегуды Пена, бывшего ученика Павла Чистякова в Императорской академии художеств. В конце года Шагал решил продолжить карьеру в городе и попросил у родителей денег на поездку в Санкт-Петербург. Его родители встретили это решение с тревогой, и отец бросил монеты на пол. Марк в слезах взял деньги и отправился в столицу. После провала вступительных экзаменов в Центральную школу технического рисования барона Штиглица Шагалу удалось поступить в третий класс школы рисования при Императорском обществе поощрения художеств в начале 1907 года. Он зарабатывал деньги, давая частные уроки, и иногда получал вознаграждение от родственников. Как только торговец получил право жить в российской столице, Марк нашел работу в мастерской вывесок. Он выиграл конкурс в школе рисования и получил ежегодную стипендию.
 
1910 г. Марк Шагал
Продавец хлеба. 1910 г. Марк Шагал

Зараженный растущим спросом на перемены в искусстве, Шагал вскоре разочаровался в методах преподавания в Императорском обществе поощрения искусств и покинул школу рисования. Такие ученики Московского училища живописи, ваяния и зодчества, как Аристарх Лентулов, братья Бурлюки, Михаил Ларионов и Наталья Гончарова, уже начали свои дерзкие неопримитивистские эксперименты. После посещения студии Савелия Зайденберга Шагал перевелся в художественную школу Елизаветы Званцевой, расположенную в том же здании, что и знаменитая "Башня" русского поэта-символиста Вячеслава Иванова. Учителями Шагала в Школе искусств Елизаветы Званцевой были Леон Бакст и Мстислав Добужинский. После посещения Греции в 1907 году Бакст развил идею синтеза искусств и хорового действа. Он мечтал возродить монументальное искусство той части и создать школу фресковых живописцев. Его методы преподавания сочетали поиски грандиозной формы с последними экспериментами в области колоризма. Как и его сокурсники, Шагал рисовал красочные этюды с крупным планом фигур на ярком фоне. Он считался самым талантливым колористом в Школе искусств Елизаветы Званцевой. Молодой мастер жадно работал в разных стилях под влиянием многочисленных выставок, проведенных пионерами авангарда в Санкт-Петербурге в период с 1908 по 1910 год.
 
1912г. Марк Шагал
Голгофа. 1912 г. Марк Шагал

Студенческие работы Марка Шагала показывают, что он был опытным рисовальщиком, исследующим возможности модерна и его вдохновенные декоративные формы. В отличие от других студентов, которые отвергали повествование в искусстве, он любил рисовать выразительные детали и организовывать композицию в упорядоченном порядке. "Святое семейство" (1909) изображает ссору в семье интеллектуалов. Персонажи отчуждены друг от друга космической ситуацией и световой деформацией интерьера. Другие студенческие работы представляют собой утонченные цветовые гармонии, основанные на скрытых метафорах и сродни символической поэзии. "Кольцо" (1908-09) отражает интеллектуальную атмосферу жизни в Санкт-Петербурге. Искажая природные формы и используя богатые и наводящие на размышления тона, художник создавал резкие и выразительные образы в своих пейзажах и интерьерах этого периода. "Труп (Смерть)" (1908) сочетает в себе открытую поэзию с деформацией, напряженной цветовой гаммой и такими нелогичными деталями и ситуациями, как скрипач на крыше.

Написанный через год после первых неопримитивистских работ Михаила Ларионова, "Труп" (Смерть) содержит зародыш будущей формулы Шагала. В картине переплетаются элементы жизни в еврейском сердце Российской империи, православные религиозные взгляды, фольклорные традиции и русская символика. Творчество Шагала также отражает сложные и противоречивые поиски молодого художника, не желающего расставаться с традиционными навыками академического рисунка. Весной 1910 года он представил "Труп (Смерть)" на свою первую выставку - выставку работ учеников художественного училища Елизаветы Званцевой в редакции журнала "Аполлон" в Санкт-Петербурге. В 1909 году Шагал был представлен Максиму Винаверу, депутату Думы и редактору либерального еврейского художественного журнала "Восхождение". Он провел персональную выставку работ художника в своей собственной редакции и оплатил поездку во Францию. Марк уехал в Париж в августе 1910 года, следуя за длинной вереницей русских, поляков, скандинавов и талантливых молодых евреев из Восточной Европы, стекавшихся в те годы в международную столицу искусства.
 
1912 г. Марк Шагал
Посвящение Аполлинеру. 1912 г. Марк Шагал

Вторая половина 1900-х годов стала свидетелем роста национального самосознания среди евреев Российской империи. Пытаясь преодолеть официальные ограничения, ограничивающие их Чертой оседлости, они также пересмотрели традиционные взгляды иудаизма на изобразительное искусство, отвергнув запреты на изображение человека. В Париже Марк Шагал учился в Академии Гран-Шомьер и Академии Палитры, посещал музеи и выставки. Его первые самостоятельные работы отражают огромное разнообразие его художественных интересов - натюрморты Парижа и Эйфелевой башни, натюрморты, преображенные его поэтической фантазией, и экзотические образы русских кучеров или девушек, несущих ведра на коромыслах. Жанровые сцены из жизни Витебска и Лиозно были более репрезентативны для будущего творчества Шагала. В "Мяснике" (1910) уплощенные и упрощенные формы и ощущение отчужденности от реальности превращают скромную сцену повседневной жизни в важный ритуал.

С его резкими формами, беспорядочным масштабом и перспективой, а также ярким представлением типов и обычаев Черты оседлости, "Свадьба" (1910) стала важным шагом на пути к будущей формуле Шагала. Художник изучал работы фовистов, о которых так много слышал в Петербурге. Петербург, восхищаясь их свободными и раскованными красками, наводящими на размышления и эмоциональными тонами. Эти черты взаимодействуют в его собственных работах с воспоминаниями о русских иконах, создавая взрывной коктейль в "Автопортрете с нимбом" (1911). В 1911 году Шагал пережил период интереса к кубизму, воспроизводя его аналитические структуры и аскетические тона в ряде портретов, жанровых сцен и обнаженных натур - Обнаженная с прической (1911). Кубизм давал художнику возможность свободно интерпретировать мотивы реальности, играть с формой и пространством и выражать собственную метафорическую линию мышления.
 
1913 г. Марк Шагал
Материнство. 1913 г. Марк Шагал

"Дождь" (1911) и "В Россию", "Ослы" и другие (1911) являются прекрасными примерами формирования стилистики Шагала. Люди и животные живут в братском единстве, принадлежа как земле, так и космосу. Нет ощущения гравитации; они одинаково чувствуют себя как дома на крышах домов или свободно перемещаются по небу. Появляются и головы людей, поглощенных своими повседневными заботами. Эти мотивы впоследствии стали постоянными чертами творчества Шагала, объединив собственное богатое воображение и поэтическую личность художника, образ жизни провинции, еврейский и русский фольклор, символистские впечатления Санкт-Петербурга и структурные теории кубизма. В 1911 году Марк Шагал арендовал студию в Ла-Руш на Монпарнасе, присоединившись к колонии иностранных художников, которая позже стала известна как Парижская школа. Он общался с художниками Жаном Метцингеном, Робертом Делоне, Фернаном Леже и Модильяни, скульпторами Жаком Липшицем, Анри Лоренсом и Александром Архипенко, поэтами Гийомом Аполлинером и Блезом Сандраром. Они поощряли его творческие поиски, помогая ему стать ведущим мастером Парижской школы. В 1912 году Шагал участвовал в ежегодных выставках Salon des Independants и Salon d'Automne, а также в зарубежных выставках современного искусства. Он также посылал картины на выставки в Россию, в том числе "Труп" (Смерть) Михаила Ларионова "Ослиный хвост" в Москве в 1912 году.
 
1913 г. Марк Шагал
Париж через мое окно. 1913 г. Марк Шагал

В 1913, Шагал был приглашен принять участие в "Die erste deutsche Herbstsalon", проходившем в Галерее Штурма в Берлине. Немецкая публика высоко оценила экспрессионистский характер его фантастических жанровых сцен. В мае 1914 года он провел свою первую персональную выставку в Галерее Штурма. Он совершил краткую поездку в Витебск летом 1914 года, когда разразилась Первая мировая война, разрушившая его планы вернуться в Берлин. Хотя это был лишь небольшой период в долгой и плодотворной карьере художника, годы, проведенные в России с 1914 по 1922 год, были чрезвычайно насыщенными и продуктивными с точки зрения творчества и профессионального становления мастера.

Пройдя через две войны и две революции, Шагал работал художником и занимал различные административные посты в качестве комиссара по делам искусства Витебской губернии, а также основателя, директора и преподавателя Витебского художественного училища.Он создавал панно и мозаики, театральные декорации и костюмы, а также уличные декорации к коммунистическим праздникам. На творчество Шагала оказали непосредственное влияние политические события в России. В первые месяцы Первой мировой войны он создал много черно-белых рисунков - трагических и выразительных изображений первых жертв войны (солдат и беженцев) и видов своего родного города, оказавшегося в водовороте - "Раненый солдат" (1914), "Группа людей" (1914-15) и "Плач" (1914-15). В "Продавце газет" (1914) усталый почтальон на алом фоне интерпретируется как неумолимый вестник дурных вестей. Авангардные и символистские образы в "Часах" (1914) и "Зеркале" (1915) отражают напряженность Первой мировой войны, когда человеческое счастье было особенно хрупким и направление куска свинца или шрапнели решало вопрос о жизни или смерти.

Шагал продолжал рисовать красочные изображения еврейских священников и старейшин. "Красный еврей" (1915) изображает проповедника из Слуцка, полного веры и отрешенного от мирских страстей. Интерес художника к еврейским традициям и привязанность к прошлому чувствуются в "Воротах еврейского кладбища" (1917) и "Кладбище" (1917). Сами камни, кажется, кричат в этих драматических полотнах, обогащенных элементами кубизма.
 

Первая мировая война


Первая мировая война усилила интерес Шагала к реальности и работе с натуры. Витебск изображен в сложном сочетании различных техник и сред - скопление старых зданий в историческом центре и пестрых домов и покосившихся заборов окраин. Такие городские пейзажи, как "Витебск" (1914) и "Вид из окна Витебска" (1914), содержат много поэзии и печали. В 1914 и 1915 годах Шагал написал серию теплых и трогательно простых портретов членов своей семьи - "Отец" (1914), "Парикмахерская" (1914) и "Марьясенка" (1914-15). Его художественное видение было обогащено счастливой супружеской жизнью с Беллой Розенфельд. Они поженились в июле 1917 года и жили на даче в Заольше, где тонкие березки вызывали острое чувство нежности и ощущение хрупкости прекрасного - "Окна на даче" (1915). Художник также обратился к тихой поэзии семейной жизни и интерьеров в "Ландышах" (1916), "Купании ребенка" (1916) и "Окне в сад" (1917).

1917 г. Марк Шагал
Автопортрет с палитрой. 1917 г. Марк Шагал

В своих изображениях влюбленных Шагал обращается к задаче, необычной для русской живописи того времени. Он пытается передать чувство любви с помощью цвета в "Голубых любовниках" (1914) и "Зеленых любовниках" (1916-17), варьируя сочетания тонов, изменяя композиции и активизируя роль текстуры и толщины мазков кисти. Художник отдает дань уважения своей музе в "Белле с белым воротничком" (191 7). Тема величественна и недоступна, как мечта, в этом причудливом сочетании неоклассицизма и кубизма. Шагал передал свои чувства к Белле в серии больших и поэтических полотен - "Променад" (1917), "Над городом" (1914-18), "Двойной портрет с бокалом вина" (1917-18) и "Свадебная церемония" (1918). Несмотря на благословение ангела или парение над Витебском, пара не беззаботна и не переполнена счастьем. Со своих наблюдательных пунктов они, похоже, уже заметили испытания и невзгоды, ожидающие их в будущем.
 
1917 г. Марк Шагал
Коровник. 1917 г. Марк Шагал

Эти работы представляют собой первые случаи, когда Шагал отправил конкретных людей в свободный полет. Сохраняя портретное сходство, художник умело использует форму, цвет и композицию для достижения эффекта невесомости и ощущения парения в воздухе Шагал часто обращался к автопортрету при решении важных творческих задач. Автопортрет с палитрой (1914) суров и аналитичен, в то время как "Автопортрет в зеленом цвете" (1914) легок и поэтичен. Одно из величайших произведений русского периода Шагала - "Видение". "Автопортрет с музой" (1917-18), с барочным великолепием его кубических форм и красивыми, аскетичными тонами. Картина затрагивает тему, которая занимала мастера на протяжении всей его карьеры, - вопрос творческого вдохновения и служения искусству. В 1920 году Шагала пригласили написать серию панно для зрительного зала Еврейского камерного театра в Москве. Он великолепно справился с этой сложной новой задачей, умело сочетая элементы монументальности, декоративности и яркой образности. Дерзкое и увлекательное знакомство с еврейским театром проводит параллели между этим еврейским народным явлением и итальянской комедией масок, мастерски сочетая собственную индивидуальную стилистику художника с элементами конструктивизма.
 

Франция


Шагал навсегда покинул Россию летом 1922 года. В Москве он услышал, что его персональная выставка в Галерее Штурма в 1914 году сыграла важную роль в истории немецкого экспрессионизма. Он решил вернуться в Германию и разыскать работы, которые оставил в Берлине, когда началась Первая мировая война. Он обнаружил, что картины были проданы, а вырученные средства уничтожены гиперинфляцией. Неустрашимый Шагал приступил к планированию новой выставки своих последних русских работ. Он закончил писать "Ма ви" и получил предложение от Поля Кассирера, который хотел опубликовать книгу с иллюстрациями, выгравированными автором, Шагал занялся офортом, и "Ма ви" была опубликована в 1923 году.Художник переехал во Францию, где провел остаток своей жизни.

Гравюры Шагала имели такой успех, что известный французский арт-дилер и издатель Амбруаз Воллар попросил его проиллюстрировать "Мертвые души" Николая Гоголя, басни Жана де Лафонтена и Библию. В то время как этот новый интерес к гравюре оказал важное влияние на образную структуру работ мастера, он все еще продолжал наслаждаться своим наибольшим успехом в живописи. Ассоциативные и метафорические основы утонченного и интеллектуального искусства Шагала обрели свою окончательную форму в 1920-1930-е годы. Основанные на традиционном фольклоре, повседневной жизни и религиозной мистике, его поэтические и фантастические картины представляли собой уникальный сплав идей символизма и приемов фовизма, кубизма и экспрессионизма. Мастер создал свою индивидуальную мифологию и образную смесь земли и космоса, Парижа и провинциальной России, ангелов, людей и животных, сосуществующих в равновесии и претерпевающих метаморфозы. Завораживающее сочетание архаики и ультрасовременности, он не принадлежал ни к одной стране, школе или движению.
 
1927 г. Марк Шагал
Влюбленные с полумесяцем. 1927 г. Марк Шагал

Как и в предшествующий русский период, Шагал практически отказался от портретной живописи во Франции. Единственным исключением были Белла и их маленькая дочь Ида. Нежная, романтичная и монументальная "Белла с гвоздикой" (1924) предлагает захватывающее представление о таланте художника к портретной живописи. На протяжении 1920-1930-х годов Шагал рисовал цветы, фантазии на тему Парижа и Витебска и мотивы влюбленных - "Невеста с двойным лицом" (1927), "Обнаженная над Витебском" (1933) и "Жених и невеста Эйфелевой башни" (1939). Тонко передавая душераздирающие эмоции любви, "Сон в летнюю ночь" (1939)-редкий пример сюжета из классической литературы в творчестве мастера. Ангел с палитрой (1927-36) отражает тему, которая постоянно занимала Шагала, - роль художника.

В этой работе Белла изображена как покровительница художников. В 1927 году Амбруаз Воллар заказал девятнадцать гуашей на цирковую тему, введя новый мотив в творчество Шагала в таких работах, как "Акробат" (1930). Художник также иллюстрировал Библию в 1931 году. В конце 1930-х годов он написал работы на евангельские темы и серию композиций о Распятии. Библейские иллюстрации Шагала, выполненные гуашью, сыграли важную роль в его личном и профессиональном становлении. Воллар считал, что творческий стиль мастера лучше всего соответствовал величественной простоте и сути священного писания. Библейские композиции требовали особенно лаконичного, лапидарного и простого образного стиля, что, в свою очередь, повлияло на творчество самого Шагала. Перед началом работы он посетил Палестину, Египет и Сирию, что привело к созданию выразительной картины "Стена плача" (1931).
 
1934 г. Марк Шагал
Одиночество. 1934 г. Марк Шагал

После прихода нацистов к власти в Германии в 1933 году работы Шагала были публично сожжены в Мангейме, Мюнхене и Вене. Растущая напряженность в довоенной Европе нашла прямое отражение в его внешне абстрактном искусстве. Накануне Второй мировой войны мастер написал "Революцию" (1937) и триптих "Сопротивление, воскресение и освобождение" (1937-38). Отражая переживания и чувства художника, пережившего войну и революцию в России, эти картины были задуманы как предупреждение. Помимо таких традиционных мотивов, как невесты, музыканты и животные со страдающими человеческими глазами, мрачная образная структура триптиха также включала изображения Распятия, раввинов с Торой, животного, бегущего с горящей свечой, и демонстраций с красными флагами. Революция включала в себя фигуру Владимира Ленина, стоящего с одной стороны.
 

Соединенные Штаты


После оккупации немцами Франции в 1940 году Музей современного искусства предложил известным французским художникам политическое убежище в Соединенных Штатах. Шагал переехал в Нью-Йорк в 1941 году. Драма Второй мировой войны усугубилась болезнью и смертью его жены Беллы. После периода депрессии Шагал снова погрузился в работу, рисуя картины и создавая декорации и костюмы для классических русских балетов. Фантазии мастера не было предела, добавляя новые смысловые контексты к его любимым мотивам крылатых часов, влюбленных и животных, держащих свечи, скрипачей и акробатов. Несколько полотен, начатых до войны - "Красная лошадь" (1938-44) и "Моей жене" (1938-44) - были закончены в Нью-Йорке. Изображая горящую крестьянскую избу, православную церковь на холме и гигантское распятие, лежащее на земле, "Галлюцинация" (1943) была прямым ответом на события Второй мировой войны. Мотивы русских зимних пейзажей часто встречаются в картинах Шагала в этот период. Арлекины (1944) можно рассматривать как форму приветствия своей далекой родине.

Художник изображает группу странствующих актеров на фоне заснеженных лачуг, дома его родителей и вывески. Этот образ повторяет, с незначительными изменениями, центральную часть Введения в еврейский театр. Американский период Шагала закончился в 1947 году, когда он вернулся во Францию. В конце 1940-х и 1950-х годов во всем мире возрос интерес к его искусству, с ретроспективами и персональными выставками в Европе и Соединенных Штатах. Шагал получил первую премию за графическое искусство на Венецианской биеннале в 1948 году и премию Эразма в Копенгагене в 1960 году. Дом Шагала открылся в Хайфе в 1957 году. В 1959 году художник получил почетную степень в Университете Глазго и был избран почетным членом Американской академии искусств и литературы.
 
1945 г. Марк Шагал
Синий концерт. 1945 г. Марк Шагал

В то время как Европа восстанавливала себя после шести лет формирования новых человеческих и культурных связей, Шагал зарекомендовал себя как ведущий мастер послевоенного искусства. Обогащенное новыми темами, идеями и техниками, его творчество стало особенно многогранным. Он обратился к таким новым формам искусства, как цветная литография в 1940-х годах и керамика и скульптура в 1950-х годах. Помимо живописи маслом, он также много работал гуашью.
 
1955 г. Марк Шагал
Марсово поле. 1955 г. Марк Шагал

Шагал все чаще работал в монументальной живописи, возможно, после того, как увидел фрески Диего Риверы и Хосе Клементе Ороско в Америке. Он разработал фрески для фойе театра "Уотергейт" в Лондоне в 1949 году и керамические панели и витражи для баптистерия в Асси в Савое в 1957 году. Двумя из его лучших творений в те годы были витражи для собора Сент-Этьен де Мец (Мецский собор) в 1958 году и синагога в Медицинском центре Хадасса в Иерусалимском университете в 1960 году. Темой последнего проекта были двенадцать колен Израилевых. Библейские произведения Шагала находились под сильным влиянием трагедии Второй мировой войны и реалий послевоенной Европы. В 1950-х годах он создал еще одну серию иллюстраций к Библии. Библейские темы и образы оригинальны, поэтичны и духовны в таких станковых картинах, как "Царь Давид" (1951) и "Пересечение Красного моря" (1955). Естественно вставленный в структуру образа мотив Распятия играет в этих произведениях важную эмоциональную роль. Шагал сочетает, сталкивает и трансформирует высокий вымысел и реальность, выразительные детали, возвышенное и обыденное, близкое и далекое и различные времена в своих фантастических одновременных композициях. В этих работах особенно заметна типичная черта творчества художника - автопортрет. Даже в библейских сценах он часто изображает себя непринужденно или со своей женой на фоне витебских окраин, видимых из космоса.
 
1949 г. Марк Шагал
Зеленый пейзаж. 1949 г. Марк Шагал

"Освежеванный бык" (1947), окрашенный чертами мистицизма, выражает мысли Шагала о современности. Хотя внешне это похоже на пересказ искусства Хаима Сутина, в этой картине нет элементов физиологии или нервозности. Сюрреалистические детали создают еще более сильное впечатление, так как эта работа была написана человеком, который пережил трагедию войны и заглянул в бездну отчаяния. Размышления о жертвах никогда не могли быть абстрактными для Марка Шагала. Трагедия была не единственной темой в послевоенных работах Шагала. Он обратился к загадочному и меланхоличному мотиву часов - парящим над головой художника, застывшего у мольберта в автопортрете с "Дедушкиными часами", перед "Распятием" (1947) или висящим над заснеженным русским городом в "Часах с синим крылом" (1949). Образы влюбленных, цирка, его второй жены Вавы или воображаемого воссоединения с родственниками в России легки и поэтичны в "Облике Семьи Художника" (1935-47) и "Здравствуй, Родина!" (1953). В 1950-х годах Шагал работал над циклом картин под названием "Фантастический Париж" и серией цветных литографий "Цирк". Он иллюстрировал такие разнообразные книги о любви, как "Дафнис и Хлоя" Лонгуса, "Декамерон" Джованни Боккаччо и "Le dur desir de Durer" Поля Элюара. Шагал прочно занял свое место в истории искусства в 1960-х и 1970-х годах. Восьмидесятилетие и девяностолетие мастера были отмечены серией крупных выставок и ретроспектив. Шагал был удостоен почетных степеней многих университетов и избран почетным гражданином Иерусалима в 1977 году. Национальный музей библейского послания Марка Шагала открылся в Ницце в 1973 году. В 1977 году он был награжден орденом Почетного легиона.
 

1960-е годы


В 1960-х годах Шагал был столь же плодовит, как и всегда, написав фреску "Комедия дель Арте" для театрального фойе во Франкфурте-на-Майне в 1963 году, плафон для Национальной Парижской оперы в 1964 году и две фрески для нового здания Метрополитен-опера в Линкольн-центре в Нью-Йорке в 1965 году. Он спроектировал витражи и мозаику для здания Организации Объединенных Наций в 1964 году, а также мозаики, двенадцать панелей и три больших гобелена для нового здания израильского парламента (Кнессета) в Иерусалиме в 1966 году. На протяжении 1970-х годов он проектировал витражи для церквей и общественных зданий во Франции, Германии, Швейцарии, Великобритании и Соединенных Штатах. Библейская тема продолжала занимать важное место в станковом искусстве Шагала. Он иллюстрировал Псалмы Давида (1978) и написал такие мощные и монументальные композиции, как Иеремия (1968), Исайя (1968) и Фостер (1968).
 
1960 г. Марк Шагал
Песнь песней. 1960 г. Марк Шагал

В образах ветхозаветных пророков поэтический стиль и примитивные формы Шагала усиливают ощущение жгучей веры и силы духа. Художник интерпретирует историю гостеприимства Авраама к трем ангелам, переодетым путешественниками, как жанровую сцену в Тринити (1967). Шагал наполнил свои многочисленные изображения цветов, влюбленных и цирка таинственными, неразличимыми символами. Студия в Сент-Поле (1967) демонстрирует богатый творческий потенциал художника. Рисуя легкими мазками кисти, художник свободно играет с пространством, отбрасывая законы традиционной перспективы, чтобы изобразить пространство своей души. Шагал продолжал ценить сочные тона, матовую текстуру и декоративные эффекты, предлагаемые гуашью. Запечатлевая мимолетные образы ума, он выразил свои размышления о судьбе и роли художника в "Художнике" (1972) и "Автопортрете с женой" (1973). В таких полотнах, как "Возвращение блудного сына" (1975-76) и "Падение Икара" (1974-77), есть сильный элемент притчи.

Рассказы о долгожданной встрече отца с сыном или о катастрофическом бегстве тщеславного Икара изображены на фоне деревянных домов и церквей Витебска, жители которых бросают работу и выбегают на улицы, чтобы обсудить эти необыкновенные события. Написанное в мягких тонах и полное ясной печали, "Возвращение блудного сына" можно рассматривать как завещание художника, оглядывающегося на свою жизнь. Как и многие другие мастера искусства двадцатого века, Шагал прожил долгую и плодотворную жизнь. Он продолжал интенсивно работать за год до своей смерти, покрывая свои большие холсты легкими, прозрачными красками и богатыми, толстыми мазками кисти. Художник писал букеты цветов, любовников и цирковые сцены, возвращаясь к своему прошлому и переплетая Витебск и Париж, Россию и Францию, в таких работах, как "Воспоминания художника" (1981) и "Художник над Витебском" (1982).

Марк Шагал был оплакан всем миром, когда он умер в возрасте девяноста семи лет в Сен Поль де Ванс 28 марта 1985 года. Двумя его последними творениями были "Большой цирк" (1984) и "Молодожены против Парижа" (1984). Написанная в мягких сиреневых и светло-голубых тонах, последняя работа была похожим на сон видением, отражающим космос души мастера - то, что он помнил и что продолжал любить. На полотне изображены художник и его жена, огромный букет, Эйфелева башня на берегу залитой лунным светом Сены, музыканты, художник за мольбертом, лошадь, корова и петух с человеческими глазами и солнце, пробивающееся над домами Витебска.

Если понравилось

Поделитесь своим мнением: