"Nabis" и декоративная роспись

мини

Недовольные фигуративными методами живописи, Боннар и Денис объединились с другими единомышленниками, чтобы сформировать братство "Nabis"


Амбициозная декоративная живопись переживала второе рождение в Европе с конца 1880-х до начала двадцатого века. В Париже Пьер Боннар, Морис Дени и Эдуард Вуйяр были одними из самых влиятельных художников, которые приняли украшение как основную функцию живописи. Их работы прославляют узор и орнамент, бросают вызов границам, отделяющим изобразительное искусство от ремесла, и, во многих случаях, дополняют интерьеры, для которых они были заказаны.

Before Dinner
Before Dinner

Недовольные жесткими фигуративными методами живописи, преподаваемыми в Академии Юлиана, Боннар и Денис объединились с другими единомышленниками осенью 1888 года, чтобы сформировать братство под названием "Nabis", еврейское слово, означающее "пророки". Группу возглавлял Поль Серюзье, который летом посетил Поля Гогена в Пон-Авене и теперь распространял эстетическое послание, основанное на его интерпретации символизма Гогена. Серюзье стремился освободить форму и цвет от их традиционных описательных функций, чтобы выразить личные эмоции и духовные истины.

В качестве доказательства освободительных возможностей символизма он предложил почти абстрактный набросок, сделанный под руководством Гогена. "Nabis" придавали этому произведению необычную силу - небрежно написанному, ярко раскрашенному изображению Буа Д'Амур в Пон-Авене, нарисованному на крышке коробки из-под сигар - оно стало известно как "талисман" (1888; Музей Орсе, Париж), приписывали мистические свойства. В 1890-х годах группа расширилась, включив в себя Вуйяра и нескольких его сокурсников из Школы изящных искусств, а также датских, голландских, венгерских и швейцарских художников. "Nabis" оставались слабо связанными и участвовали в персональных и групповых выставках во Франции и по всей Европе до 1899 года.

The Checkered Tablecloth
The Checkered Tablecloth

"Nabis" отвергли ренессансный идеал станковой живописи как окна в вымышленный мир. Отказавшись от иллюзий глубины, они отказались и от линейной перспективы, и от моделирования. Подобно многим импрессионистам и постимпрессионистам, они были вдохновлены широкими плоскостями несвязанного цвета, толстыми контурами и смелыми узорами, которые характеризуют японские гравюры. В отличие от принтов, однако, картины Наби часто имеют текстурированные поверхности, созданные различными мазками кисти. По словам Мориса Дени, полученные результаты напоминают нам, что живопись "по существу представляет собой плоскую поверхность, покрытую цветами, собранными в определенном порядке".

Как в своей художественной продукции, так и в своих теоретических трудах "Nabis" подчеркивали преемственность между искусством и дизайном. Хотя они продолжали использовать традиционные опоры, такие как холст и панель, они также разветвлялись, чтобы рисовать на различных плоских поверхностях, включая бархат, картон, мебель, стены домов и отдельных помещений: комнаты, приёмные, банкетные и другие залы. Подобно членам английского движения "Искусств и ремесел", "Nabis" поддерживали эгалитарное отношение к материалам и сотрудничали с меценатами, дизайнерами, издателями и дилерами в декоративных проектах, начиная от декораций до обоев, текстиля, керамики и витражей. Несколько художников создали плакаты, иллюстрации, афиши и другие гравюры, используя относительно новый метод цветной литографии, который воспроизвел их характерное плавное рисование для массовой аудитории.

The Children's Meal
The Children's Meal

Многие из этих художников разработали масштабные декоративные схемы для конкретных интерьеров. Пювис де Шаванн, чьи классицистические фрески украшали некоторые из самых известных общественных зданий того времени, обеспечил важный прецедент. На Серюзье и Дениса особенно повлияли фризоподобные композиции Пювиса, поставленные на фоне уплощенных пейзажей, написанных в приглушенных тонах. Такие работы, как "Springtime" Дениса (ок. 1894-99) также применяют особый подход Пувиса к исторической живописи, который передает абстрактные идеи, а не действия или события, через идеализированные группы статических фигур.

Альбомная серия Вюйяра 1895 года адаптирует крупномасштабную живопись к потребностям внутреннего интерьера. В соответствии с эклектикой меценатов Таде и Мизии Натансон, издателей авангардного журнала "La Revue Blanche", эти пять картин различаются по размеру, мотиву и цвету и связаны только общей темой женщин и цветов. В отличие от фресок Пювиса, внутренние серии Вюйяра не были написаны непосредственно на стенах. И все же иногда их выставляли без рамы, приколотыми прямо к узорчатым обоям, что подчеркивало неразрывность с окружающей обстановкой.

The Terrace at Vernonnet
The Terrace at Vernonnet

Однако, как отмечает Николас Уоткинс в каталоге выставки "за мольбертом“, интерес этих художников к интерьеру не сделал их "культурными бунтарями"."Скорее, Набис и Пуви принадлежат к традиции художников, украшающих интерьеры, которая восходит, по крайней мере, к фрескам и гобеленовым карикатурам, которые Рафаэль создал для Ватикана. В девятнадцатом веке такие выдающиеся художники, как Энгр и Делакруа, соперничали за заказы на украшение общественных зданий Франции крупномасштабными фресками, изображающими классические или религиозные повествования.

После распада Набис в 1899 году Боннар и Вуйяр продолжали развивать “Интимистский” стиль декоративной живописи. Их небольшие работы изображают друзей и семьи художников в тесных, домашних пространствах, заполненных узорами. Отказавшись от перспективы и подчеркнув текстуру поверхности, картины сливают фигуру и землю в единую плоскость, так что различение независимых форм становится перцептивной задачей.

Художники-декораторы девятнадцатого века предвосхищают важное направление искусства двадцатого века, которое рассматривает внутренние пространства и внутренние мысли и переживания художников как убежище от современного мира. Например, большие картины с водяными лилиями, которые Моне создал в свои последние десятилетия, разделяют желание Набис создать всеобъемлющую среду, которая окружает их зрителей. Анри Матисс, возможно, является истинным наследником этой традиции, поскольку он наполнил грандиозное украшение колористической абстракцией, чтобы создать новый стиль, который полностью принадлежал его собственному историческому моменту.

Если понравилось

Поделитесь своим мнением: